Główne tematy w twórczości Aleksandra Ostrowskiego. Ujawnił światu osobliwości stylu Ostrowskiego

Wstęp 3-8

Rozdział 1. Ogólna charakterystyka A.N. Ostrowskiego.

Kamienie milowe w życiu dramaturga. 9-28

Rozdział 2. Historia powstania spektaklu „Głębokie”. 29-63

§ 1. Analiza najważniejszych rozbieżności w oryginale

i ostateczne odręczne wersje. 34-59

§ 2. Praca A.N. Ostrovsky nad uwagami. 60-63

Wniosek 63-72

Bibliografia 73-76

Niezależnie od tego, na którą stronę spojrzymy

działalności pana Ostrowskiego, musimy

uznamy ją za najbardziej błyskotliwą,

najbardziej godna pozazdroszczenia działalność we współczesnym

nowa dla nas literatura rosyjska.

/ A. Drużynin /

Wstęp .

Twórczość Aleksandra Nikołajewicza Ostrowskiego jest zjawiskiem wyjątkowym w historii literatury i teatru rosyjskiego. Pod względem zasięgu zjawisk życiowych i różnorodności środków artystycznych A.N. Ostrowski nie ma sobie równych w rosyjskim dramacie. Napisał około 50 sztuk. Współczesny dramatopisarzowi I.A. Gonczarowowi wierzył, że A.N. Ostrowski stworzył swój własny, wyjątkowy świat, stworzył rosyjski teatr narodowy.

Trudno przecenić rolę Aleksandra Nikołajewicza Ostrowskiego w historii rozwoju dramatu rosyjskiego. Jego wkład w kulturę rosyjską jest porównywany z tak znanymi nazwiskami jak Szekspir (Anglia), Lope de Vega (Hiszpania), Moliere (Francja), Goldoni (Włochy), Schiller (Niemcy).

Wśród sztuk pierwszej połowy XIX wieku szczególnie wyróżniały się takie arcydzieła dramatu realistycznego, jak Biada dowcipowi Gribojedowa, Małe tragedie Borysa Godunowa i Puszkina, Inspektor generalny czy Wesele Gogola. Te wybitne realistyczne dramaty wyraźnie zarysowały nowatorskie tendencje rosyjskiego dramatu.

Zdecydowana większość dzieł, które wypełniły scenę teatralną, stanowiły tłumaczenia i przeróbki sztuk zachodnioeuropejskich. Teraz nikt nie zna nazwisk MV Kryukowskiego (Pożarski, 1807), SI Viskovaty (Ksenia i Temir, 1810?)

Po klęsce dekabrystów (przyszły słynny dramaturg AN Ostrovsky miał zaledwie dwa lata) w teatralnym repertuarze pojawiły się pospiesznie szyte utwory, w których flirt, farsa, anegdota, pomyłka, wypadek, zaskoczenie, zamieszanie, przebranie, ukrycie zajęła główne miejsce ... Pod wpływem walki społecznej wodewil zmienił swoją treść. Jednocześnie, obok wodewilu, dużą popularnością cieszył się melodramat.

Melodramat „Trzydzieści lat, czyli życie gracza” V. Ducange i M. Dunot, przetłumaczony z francuskiego, został po raz pierwszy wystawiony w Rosji w 1828 roku. Ten cieszący się powodzeniem melodramat był często wystawiany zarówno w teatrach metropolitalnych, jak i prowincjonalnych. O jej wyjątkowej popularności świadczy także Ostrowski w dramacie „Otchłań”. Strażnicy czystości moralnej z The Northern Bee i innych organów reakcyjnej prasy byli oburzeni faktem, że w melodramacie łamały się zwyczajowe normy moralne: zbrodnia była usprawiedliwiona, wzbudzano sympatię dla pozornie negatywnych bohaterów. Ale nie można było tego zakazać. Wzmocnił bardziej autokratyczny porządek pańszczyźniany.

W XIX wieku przekłady dzieł postępowych dramaturgów zachodnioeuropejskiego romantyzmu, na przykład Schillera (Przebiegłość i miłość, 1827, Carlos, 1830, Wilhelm Tell, 1830, The Robbers, 1828, 1833, 1834) i B. Hugo (" Angelo, Tyran Padewski”, 1835-1836, sztuka została wystawiona w tłumaczeniu MV Samoilovej pod tytułem „Wenecka aktorka”). Bieliński i Lermontow tworzyli w tych latach swoje sztuki, ale w pierwszej połowie XIX wieku nie chodzili do teatru.

N.V. Gogol przyczynił się do ustanowienia realistycznej i narodowej oryginalności w teatrze, a A.N. Ostrovsky w dziedzinie dramatu. Dramaturg nie tylko uczynił z ludzi pracy, nosicieli ludowej prawdy i mądrości pozytywnych bohaterów swoich dramatów, ale także pisał w imieniu ludu i dla ludu.

Witając dramaturga w 35. rocznicę jego kariery, Goncharow napisał, że A.N. Ostrovsky przywiózł w darze dla literatury całą bibliotekę dzieł sztuki i stworzył swój własny, wyjątkowy świat dla sceny. Pisarz docenił także znaczącą rolę dramatopisarza w tworzeniu rosyjskiego teatru narodowego.

A.N. Ostrovsky wpłynął nie tylko na rozwój krajowego dramatu i teatru, na jego role wielkie talenty A.E. Martynova, L.P. Kositskaya-Nikulina, KN Rybakov, M.N. Ermolova i wielu innych.

NS Wasiliewa wspominała: „Ostrowski nadał każdej osobie spektaklu taki zarys, że łatwo było aktorowi odtworzyć intencję autora. Charakterystyka była jasna. A jakże w przenośni, z jakim zapałem i różnorodnością intonacji czytał sceny ludowe! Artyści słuchali go z szacunkiem!”

Przez prawie pół wieku A.N. Ostrowski był kronikarzem rosyjskiego życia, szybko reagował na pojawiające się zjawiska społeczne, wprowadzał postacie na scenę, która wciąż się kształtowała.

Czytając jego sztuki, pojawia się zainteresowanie historią ich powstania. Jak wiecie, Lew Tołstoj wielokrotnie przerabiał swoje dzieła, FM Dostojewski również nie od razu budował wątki swoich powieści. A jak działał A.N. Ostrovsky?

W Rosyjskiej Bibliotece Państwowej w Dziale Rękopisów przechowywane są rękopisy wielu sztuk AN Ostrowskiego, m.in. rękopis dramatu „Otchłań”, najważniejszego ze sztuk A.N. Ostrowskiego o teraźniejszości po „Burzy”.

Celem tej pracy jest w trakcie analizy rękopisu sztuki „Otchłań”, przede wszystkim pokazanie drogi, jaką przebył dramatopisarz, dokonywanie zmian i uzupełnień w oryginalnym tekście sztuki oraz ustalenie swoje miejsce w dramacie AN Ostrowskiego.

Przed przystąpieniem do charakterystyki rękopisu należy powiedzieć kilka słów o pracy A.N. Ostrowskiego nad dramatami. Twórczość dramaturga dzieli się umownie na trzy etapy. W pierwszym etapie A.N. Ostrovsky obserwował otaczających go ludzi i ich relacje. Nie robiłem żadnych szkiców, wszystko trzymałem w głowie. Prawie wszyscy główni bohaterowie wielu sztuk Ostrowskiego mają co najmniej dwa prototypy, a on sam na nie wskazał. To po raz kolejny podkreśla fakt, że dramaturg nie wymyślał swoich postaci i sytuacji, lecz skupiał się na życiowych kolizjach. Na przykład pierwowzorem Neschastlivtseva w sztuce „The Forest” był aktor N. Kh. Rybnikov. Prowincjonalni aktorzy, w których A.N. Ostrovsky widział talent, byli również prototypami.

Po zgromadzeniu wystarczających informacji A.N. Ostrovsky zaczął rozumieć wszystko, co widział, wierząc, że pisarz powinien znajdować się na poziomie zaawansowanych wymagań epoki. Należy zauważyć, że na tym etapie twórczości dramaturg również nie tworzył szkiców sztuk.

Dopiero po zamówieniu impresji A.N. Ostrovsky przystąpił do pisania scenariusza. Prawie zawsze był tylko jeden szkic, ale w trakcie pracy zawsze pojawiały się nowe myśli. Dlatego przy rewizji szkicu pojawiły się wstawki, pewne momenty zostały usunięte, a w całości uformowana i przemyślana praca została już opublikowana w druku.

Wracając do dzieł literackich i badawczych na temat twórczości A.N. Ostrovsky'ego, takich autorów jak L.R. Kogan, V.Ya. Lakshin, GP Pirogov, A.I. Revyakin i inni, autor tej pracy nie znalazł wystarczających pełnych informacji o dramacie „Otchłań ", nie mówiąc już o tym, że jego rękopis został zignorowany i nie został opisany z naukowego punktu widzenia w żadnej pracy.

Ogromnym zainteresowaniem cieszy się praca N.P. Kaszyna „Szkice o A.N. Ostrovskim”, która analizuje rękopisy takich sztuk, jak „Nasz lud - będziemy ponumerowani”, „Nie siedź w swoich saniach”, „Burza”, „Ubóstwo - nie występek ”i wiele innych. Ale nawet ten autor pozostawił sztukę „Otchłań” bez uwagi, chociaż pod względem dramaturgii i psychologicznych cech obrazów, a także w samej idei, w niczym nie ustępuje dramatom AN Ostrowskiego, które stały się już podręcznikami . Nieprzypadkowo w 1973 roku, z okazji 150-lecia A.N. Ostrowskiego, teatr jego imienia wystawił sztukę „Otchłań” jako jedno z najważniejszych i niezasłużenie zapomnianych dzieł wielkiego dramaturga. Spektakl odniósł ogromny sukces i przez kilka sezonów był wystawiany w Teatrze Małym.

Autor tej pracy zadał sobie trud „pójścia wraz z A. Ostrowskim” na twórczą drogę tworzenia sztuki „Otchłań” od koncepcji do ostatecznej wersji i określenia jej miejsca w twórczości dramaturga. Tak więc krok po kroku, strona po stronie, otwierało się kreatywne laboratorium do tworzenia sztuki.

W pracy nad rękopisem wykorzystano metodę badań tekstowych opisaną w pracach D.S. Lichaczowa, E.N. Lebiedewy i innych. Metoda ta pozwala na identyfikację rozbieżności, zrozumienie ruchu myśli autora od koncepcji do jej realizacji, czyli prześledzenie stopniowego powstawania tekstu.

Studia tekstowe mają dwa cele:

1. Przygotowanie tekstu do publikacji.

2. Analiza literacka tekstu.

Celem opracowania w tej pracy jest literacka analiza tekstu dramatu „Otchłań”, związana z wyjaśnieniem jego historii powstania dla głębszego zrozumienia intencji autora, treści i formy dzieła, techniki praca dramaturga nad rękopisem sztuki.

Analiza tekstu obejmuje następujące etapy:

1. Studium twórczej historii powstania dzieła.

2. Porównanie wszystkich wersji roboczych.

3. Zapoznanie się z odpowiedziami, w przypadku przeczytania pracy przed publikacją.

4. Porównanie planów, szkiców, rękopisów szorstkich i białych.

W pracy tej wykorzystano tylko pierwszy etap analizy tekstu, ponieważ istnieje jeden szkic sztuki A.N. Ostrowskiego „Głębiny”, która stała się przedmiotem badań.

Efektem tej żmudnej, ale bardzo ciekawej pracy było prawdziwe dzieło, będące próbą pierwszego (być może jedynego) studium rękopisu sztuki A.N. Ostrowskiego „Otchłań”.

Rozdział 1 Ogólna charakterystyka pracy A.N. Ostrovsky'ego.

Kamienie milowe w życiu dramaturga.

Aleksander Nikołajewicz Ostrowski urodził się w Moskwie 31 marca (12 kwietnia 1823 r.) W rodzinie urzędnika Nikołaja Fiodorowicza Ostrowskiego. Był najstarszym w rodzinie. Ojciec Aleksandra Nikołajewicza był człowiekiem wykształconym, ukończył akademię teologiczną, szybko awansował w służbie iz powodzeniem prowadził prywatną praktykę: był prawnikiem, zajmował się kupcami. To dało mu możliwość wybudowania własnego domu w Zamoskvorechye, gdzie mógł zapraszać nauczycieli domowych i odwiedzających dla swoich dzieci.

W 1825 został najpierw sekretarzem sztabowym I wydziału izby moskiewskiej sądu cywilnego, następnie awansował na radcę tytularnego, w wyniku czego otrzymał stopień asesora kolegialnego. Dało mu to prawo do dziedzicznej szlachty.

Nikołaj Fiodorowicz, który w młodości pisał poezję, śledził nowinki literackie, prenumerował wszystkie wiodące czasopisma: „Moscow Telegraph”, „Otechestvennye zapiski”, „Biblioteka do czytania”, „Współczesna”. Miał solidną bibliotekę, z której później korzystał Aleksander Nikołajewicz. Ważnym wydarzeniem w życiu młodego dramaturga było pojawienie się w domu jego macochy, baronowej Emilii Andreevny von Tessin. Wraz z nią do domu Ostrovskich wkroczyły nowe gusta i nawyki, szczególną uwagę zwrócono na nauczanie dzieci muzyki, języków i wychowanie świeckich manier.

W 1835 r. Aleksander Nikołajewicz wstąpił do trzeciej klasy pierwszego moskiewskiego gimnazjum, a w 1840 r. Ukończył je z wyróżnieniem. Następnie, w tym samym roku, za namową ojca, złożył wniosek o przyjęcie na wydział prawa Uniwersytetu Moskiewskiego.

Przyszły dramaturg wysłuchał i pomyślnie przeszedł dyscypliny ogólnokształcące prowadzone przez wybitnych profesorów: D.L. Kryukov (historia starożytna), PG Redkin (historia rosyjskiego orzecznictwa), T.N. Granovsky (historia środkowa i współczesna) i wiele innych.

W drugim roku nauczano już przedmiotów wysokospecjalistycznych, które nie interesowały Ostrowskiego. Po otrzymaniu negatywnej oceny z przejścia na trzeci rok młody dramaturg porzucił studia.

Ojciec był zdenerwowany i zidentyfikował syna jako urzędnika Sądu Gospodarczego.

Usługa nie urzekła Aleksandra Nikołajewicza, ale dała mu bogaty materiał do kreatywności.

W latach 40. A.N. Ostrovsky zaczął występować ze swoimi pierwszymi utworami. To w tej dekadzie realizm ostatecznie ukształtował się i zatriumfował jako wiodący nurt literacki.

„Tworząc w latach 40. XX wieku pod wpływem Bielińskiego i Hercena, którzy bronili idei zaprzeczenia panującemu wówczas reżimowi feudalno-poddanemu, Ostrovsky dostrzegł najwyższy wyraz narodowości w oskarżycielskim kierunku satyrycznym, w pracach Kantemira, Fonvizina , Kapnista, Gribojedowa i Gogola. Pisał: „Im bardziej wytworne dzieło, im bardziej popularne, tym więcej w nim tego oskarżycielskiego elementu… Publiczność oczekuje od sztuki przybrania żywej, pełnej wdzięku formy swojego sądzenia nad życiem, czekając na połączenie nowoczesnych wad i niedociągnięć odnotowanych w stuleciu na pełnych obrazach”.

Pierwsze prace dramatyczne A. N. Ostrovsky'ego - "Obraz rodzinny" (1847) i "Nasz naród - policzmy się!" (1850) poświęcone są głównie typom negatywnym i krytyce despotycznej arbitralności w stosunkach rodzinnych i domowych.

Dobrolyubov napisał, że A. Ostrowski „znalazł istotę ogólnych (wymagań) życia w czasie, gdy były ukryte i wyrażane bardzo słabo”.

Idee utopijnego socjalizmu, ateizmu i rewolucji cieszyły się w tych latach szczególnym powodzeniem wśród młodych ludzi. Był to przejaw ruchu wyzwoleńczego związanego z walką z pańszczyzną.

Podobnie jak jego najbliżsi przyjaciele, A.N. Ostrovsky w drugiej połowie lat 40. był pod wpływem poglądów swoich czasów.

W tym czasie zagrożeniem publicznym było bankructwo, walka o pieniądze, zaniedbywanie zarówno więzi rodzinnych, jak i zasad moralnych. Wszystko to znalazło odzwierciedlenie w wątkach prac takich jak „Nasi ludzie – będziemy ponumerowani!”

Żywym wyrazem głębokiego podziwu A.N. Ostrovsky'ego dla ludzi jest jego miłość do poezji ustnej, wywołanej w dzieciństwie opowieściami i pieśniami niani. W przyszłości utrwaliło się i rozwinęło pod wpływem ogólnych dążeń dramaturga, jego zainteresowania chłopstwem. Niektóre z jego nagrań pieśni ludowych A.N. Ostrovsky następnie udostępnił PI Jakuszkinowi, P.V. Sheinowi i innym kolekcjonerom folkloru.

Dając pierwszeństwo literaturze rosyjskiej, dramaturg interesował się także najlepszymi przykładami literatury obcej: w gimnazjum czytał Sofoklesa, aw latach 1850-1851 przetłumaczył Asinarię Plauta i Hipolita Seneki. Również A.N. Ostrovsky uważnie śledził aktualną literaturę zachodnioeuropejską. Pod koniec lat 40. przeczytał powieści „Wykroczenie pana Antoine” Georgesa Sand, „Martyna Naydenysha” E. Syu oraz „Dombey and Son” C. Dickensa.

W młodości A.N. Ostrovsky zapoznał się nie tylko z literaturą rosyjską i obcą, ale także z dziełami poświęconymi historii kultury i estetyki. Szczególnie dużo dla rozwoju gustów literackich i estetycznych dały mu artykuły Bielińskiego i Hercena. Idąc za Bielińskim, Ostrowski uważał za obowiązkowe poważne studiowanie historii kultury i najnowszych teorii estetycznych dla pisarza.

Pod koniec lat 40. A.N. Ostrovsky współpracował w „Moskvityanin”, gdzie pisał krytyczne artykuły na temat historii E. Toura i A.F. Pisemskiego, w których bronił zasad realizmu. Realizm nie był pojmowany jako dramaturg poza narodowością, dlatego też zasadą definiującą estetykę A.N. Ostrowskiego była narodowość w jej demokratycznym rozumieniu. Opierając się na realistycznych tradycjach literatury postępowej, domagając się od współczesnych pisarzy prawdziwej reprodukcji życia, bronił w swoich sądach zasady historyzmu.

A.N. Ostrowski uważał, że pierwszym warunkiem kunsztu dzieła jest jego treść. Pełnią swych ideologicznych i estetycznych zasad dramaturg afirmował pogląd na literaturę jako cudowną „szkołę moralności”, jako potężną moralną siłę przemieniającą.

A.N. Ostrovsky natychmiast wszedł do literatury jako uznany pisarz: komedia „Nasi ludzie - będziemy ponumerowani!”

W latach 50. XIX wieku A.N. Ostrovsky zaczął organizować wieczory literackie w swoim domu, gdzie czytał własne sztuki. Początkowo takie wieczory odbywały się w bliskim przyjacielskim gronie, ale potem liczba zaproszonych wzrosła. Z reguły zbierali się w soboty, kiedy w teatrach nie było spektakli. Czytania te rozpoczęły się już w 1846 roku scenami z komedii „Nasi ludzie – liczmy się!”, ale krąg słuchaczy poszerzył się dopiero w latach 50. XX wieku.

N.F. Ostrovsky często nie był zadowolony ze swojego syna, ale jeszcze większe niezadowolenie wywołał fakt, że Aleksander Nikołajewicz, zakochany w prostej dziewczynie z filisterskiego środowiska, wprowadził ją do swojego domu jako żonę. Rozgniewany ojciec pozbawił syna wszelkiej pomocy materialnej. Od tego czasu dramaturg rozpoczął ciężkie życie pod względem materialnym.

Trudna sytuacja rodziny (AN Ostrovsky miał już wtedy czwórkę dzieci) była główną treścią życia dramaturga w latach pięćdziesiątych XIX wieku. Dzięki Agafyi Iwanowna „przy ograniczonych zasobach materialnych w prostocie życia było zadowolenie z codziennego życia. Wszystko, co było w piekarniku, stało na stole z humorystycznymi pozdrowieniami, czułymi zdaniami ”- zauważa pisarz S.V. Maksimov. Ona, według Maksimowa, dobrze rozumiała „i moskiewskie życie kupieckie w jego szczegółach, co niewątpliwie w dużej mierze służyło jej wybranemu. On sam nie tylko nie wstydził się jej opinii i recenzji, ale chętnie wychodził na ich spotkanie, słuchał rad i wiele poprawiał po przeczytaniu tego, co napisał w jej obecności i kiedy ona sama miała czas wysłuchać sprzecznych opinii różnych koneserów. Duży udział i wpływy przypisują jej prawdopodobne plotki przy tworzeniu komedii „Nasi ludzie - ponumerowani!”, Przynajmniej w odniesieniu do fabuły i jej zewnętrznej oprawy.

W połowie lat 60. A.N. Ostrovsky został ujęty tematem „władzy i ludzi”. Poświęcił temu tematowi swoje prace historyczne: kronikę „Kozma Zacharyich Minin - Sukhoruk”, „Dmitrij pretendent i Wasilij Szujski” oraz „Tuszino”. W swoich listach dramaturg zaznaczył, że stworzył te dzieła pod wrażeniem „Borysa Godunowa” Puszkina.

Pod koniec lat 60. dwadzieścia dwie sztuki A.N. Ostrowskiego odniosły ogromny sukces we wszystkich teatrach w Rosji. Spektakle nie zostały wystawione w całości, ponieważ cenzorzy wycinali z utworów fragmenty tekstu, „odcinali je żywcem”, jak zauważa L.A. Rozanova.

Dramaturga czekał straszliwy cios: zmarły wszystkie dzieci urodzone w tym małżeństwie. W 1867 zmarła ukochana żona dramaturga, Agafya Iwanowna, aw 1869 ożenił się z Marią Wasiljewną Wasiljewą, artystką Moskiewskiego Teatru Małego.

W 1867 r. dramaturg wraz z bratem Michaiłem kupił od macochy majątek Szczelikowo. „Na szczególną uwagę zasługuje Szczelikow w losie Ostrowskiego. Ponieważ nie można sobie wyobrazić życia i pracy A. Puszkina bez Michajłowskiego, LN Tołstoja bez Jasnej Polany, IS Turgieniewa bez Spaskiego-Lutowinowa, tak życie A.N. .

Po raz pierwszy dramaturga uderzyło piękno tej krainy już w 1848 roku i co roku odwiedzał ojca i macochę. O domu mówił tak: „Dom jest niesamowicie dobry zarówno z zewnątrz z oryginalnością architektury jak i wewnętrzną wygodą lokalu… Dom stoi na wysokiej górze, która jest przekopana z prawej strony i pozostawiony z tak uroczymi wąwozami, porośniętymi kędzierzawymi sosnami i lipami, że nie można sobie czegoś takiego wyobrazić. Każdego roku, od wiosny do późnej jesieni, A.N. Ostrovsky mieszkał w Szczelikowie z rodziną i przyjaciółmi. Tutaj mógł sobie pozwolić na chodzenie w rosyjskim garniturze: w szerokich spodniach, obszernej koszuli i długich butach.

Te pamiętne miejsca dla dramaturga znajdują odzwierciedlenie w jego pracach. Na przykład w „Snegurochce” opisano wioskę Subbotino i przyległą łąkę. Niektóre z najważniejszych sztuk zostały napisane w Szczelikowie: „Każdy mądry człowiek ma dość prostoty”, winy winy ”i wielu innych.

„Ostrovsky nazwał swoje powołanie szczęściem, ponieważ miał praktyczną możliwość dokonania przekształceń w rzeczywistość. Tak energiczna działalność osłabiła siły Ostrowskiego w niecały rok ”.

„W swoich schyłkowych latach Aleksander Nikołajewicz Ostrowski pozostawił w albumie MI Semevsky'ego, redaktora magazynu„ Russian Starina ”, zapis najważniejszych faktów i wydarzeń, których doświadczył. „Najbardziej pamiętny dzień w moim życiu: 14 lutego 1847 r.” – napisał. „Od tego dnia zacząłem uważać się za rosyjskiego pisarza i bez wahania czy wahania wierzyłem w swoje powołanie”. Tego dnia A.N. Ostrovsky ukończył komedię „Obrazy szczęścia rodzinnego”, swoją pierwszą kompletną i kompletną pracę.

Potem stworzyli: „Nasi ludzie – będziemy policzone”, „Biedna Panna Młoda”, „Miejsce Opłacalne”, „Burza” i wiele, wiele innych sztuk.

Nieuleczalnie chory A.N. Ostrovsky 31 maja 1886 r. zabrał się do pracy nad tłumaczeniem Antoniusza i Kleopatry Szekspira.

Pogrzeb odbył się na cmentarzu Nikolo-Berezhki. Na otwartej przestrzeni

Kropaczow wygłosił do grobu wzburzoną mowę pożegnalną, a jego ostatnie słowa brzmiały: „ Spełniło się Twoje przeczucie: „ostatni akt Twojego dramatu życiowego się skończył”! „... Na grobie zainstalowano krzyż z napisem:„ Aleksander Nikołajewicz Ostrovsky ”.

podróżnicy nie opisani... "- tak napisał wielki dramaturg w swoich" Notatkach mieszkańca Zamoskworecka ".

„... Ten kraj, według oficjalnych raportów, leży dokładnie naprzeciwko Kremla ... Do tej pory znana była tylko pozycja i nazwa tego kraju; co do jego mieszkańców, to znaczy ich sposób życia, język, obyczaje, obyczaje, stopień wykształcenia – wszystko to przykryte było mrokiem mroku”.

A.N. Ostrovsky spędził dzieciństwo, młodość i młodość w Zamoskvorechye. Znał dobrze jej mieszkańców i jako dziecko mógł obserwować maniery, obyczaje i charaktery bohaterów swoich przyszłych przedstawień. Tworząc obrazy „mrocznego królestwa”, A.N. Ostrovsky wykorzystał swoje wrażenia z dzieciństwa, które na długo pozostaną w pamięci.

I komu, jeśli nie A.N. Ostrowskiemu, było usunięcie zasłony niepewności z tej części Moskwy - Zamoskworeczje.

Wprowadzenie A.N. Ostrowskiego do słowa literackiego rozpoczęło się głównie od jego rodzimej literatury. Pierwszą komedią, którą przeczytał i która wywarła na nim niezatarte wrażenie, była komedia NR Sudovshchikova „Niesłychany cud, czyli uczciwy sekretarz”. Wśród rosyjskich dramaturgów XVIII wieku A. Ostrowski szczególnie cenił Ablesimowa, twórcę opery komicznej Młynarz Czarnoksiężnik, Kłamca i Swat.

Jak dramaturg pielęgnował idee swoich dzieł?

Przez kilka lat A.N. Ostrovsky spisywał tylko słowa charakterystyczne dla środowiska burżuazyjno-handlowego, z którym musiał się zmierzyć: „sam” (właściciel, głowa rodziny), „kochanek”, „zając” i inne. Wtedy dramaturg zainteresował się pisaniem przysłów, odkrywając ich głęboki sens. Odzwierciedlają to tytuły jego prac: „Nie siedź w saniach”, „Nie cały karnawał dla kota”.

Pierwszym znanym utworem prozatorskim A.N. Ostrovsky'ego jest „Legenda o tym, jak tańczył nadzorca kwartału, czyli tylko jeden krok od wielkiego do śmieszności”. Wyczuwalne są w nim wpływy gogolskie, zwłaszcza w obrazach życia codziennego.

W latach 1864 - 1874 A.N. Ostrovsky wydedukował jako głównych bohaterów osoby, które nie są w stanie walczyć z „dobrze odżywionymi”, ale mają poczucie godności ludzkiej. Wśród nich: urzędnik Obroshenov („Jokers”), uczciwy urzędnik Kiselnikov („Otchłań”) i pracowity nauczyciel Korpelov („Chleb pracy”). Dramaturg ostro przeciwstawił głównych bohaterów środowisku, w którym żyją, aby zmusić czytelnika i widza do refleksji i wyciągnięcia wniosków na temat zastanego porządku.

W swoich sztukach A.N. Ostrowski opisuje realia czasów, w których żył. Dramaturg wierzył, że rzeczywistość jest podstawą sztuki, źródłem twórczości pisarza.

Mieszkając w Zamoskvorechye, A.N. Ostrovsky nie tylko zdołał wystarczająco przestudiować postacie kupców, kupców i ich rodzin, ale także szczerze pokazać je w swoich pracach.

W sumie A.N. Ostrovsky stworzył 47 oryginalnych sztuk, napisał 7 razem z innymi pisarzami, przetłumaczył ponad 20 dzieł dramatycznych z innych języków. W 1882 roku IA Goncharov napisał do niego: „Ty sam ukończyłeś budynek, u podstawy którego położono kamienie węgielne Fonvizin, Griboyedov, Gogol ... Pozdrawiam cię jako nieśmiertelnego twórcę niekończącego się systemu kreacji poetyckich ... słyszymy pradawne, prawdziwe rosyjskie życie...”1

Pierwszy okres twórczości A. N. Ostrovsky (1847-1860).

Działalność literacka A.N. Ostrovsky'ego rozpoczęła się w 1847 r. wraz z publikacją w Moskiewskim Ulotce Miejskiej opowiadań i esejów pod ogólnym tytułem Notatki mieszkańca Zamoskvoretsky; szczęście rodzinne "). Jednak najwcześniejsze doświadczenia literackie A.N. Ostrovsky'ego sięgają 1843 r. - Jest to „Legenda o tym, jak ćwierć naczelnika zaczął tańczyć, lub Od wielkiego do śmiesznego, tylko jeden krok”. Pierwsze publikacje literackie były prozaiczne - niedokończone opowiadanie „Nie zgadzali się” (1846), eseje i opowiadania „Biografia Jaszy”, „Zamoskworeczje na wakacjach” i „Kuzma Samsonich” (1846-1847). „Notatki zamoskvoretsko

1 Goncharow I.A. Zebrane op. w 8 tomach, t. 8., M.: 1980, s. 475

„Znajomość Teatru Małego, jego repertuar, osobista przyjaźń z wieloma aktorami przyczyniły się do tego, że Ostrowski odszedł z prozy i zaczął pisać sztuki”.

A.N. Ostrovsky służył w sądzie handlowym, kiedy zaczął myśleć o nowej pracy. Owocem wieloletniej pracy wewnętrznej była sztuka „Bankructwo”, która później otrzymała tytuł „Nasi ludzie – policzmy się!” Siłą napędową jest konflikt między ojcami a dziećmi na gruncie „oświecenia”, „edukacji”. Zaskakujące jest, że sztuka nie została jeszcze opublikowana, a plotki o niej rozeszły się po całej Moskwie. Czytano ją w moskiewskich salonach literackich i kręgach domowych, a pierwsza autorska lektura odbyła się w drugiej połowie 1849 r. w mieszkaniu M.N. Katkowa, przy ulicy Merzlakowskiej. (M.N. Katkov był w tym czasie adiunktem na Wydziale Filozofii Uniwersytetu Moskiewskiego). Młody dramaturg dopiero zaczynał swoją podróż i wciąż nie mógł przyzwyczaić się do pochwał, które przyjemnie go podnieciły. Wśród słuchaczy nowej sztuki A.N.Ostrowskiego byli S.P.Szewyrew,A.S.Chomjakow,T.N.Granovsky,SM.Sołowiow, F.I.Buslaev i wielu innych. Wszystkie recenzje były jednogłośnie entuzjastyczne.

W 1849 r. A.N. Ostrovsky został zaproszony do przeczytania nowej sztuki dla MP Pogodina, redaktora i wydawcy Moskvityanina. Nowa sztuka A.N. Ostrowskiego tak bardzo spodobała się M.P.Pogodinowi, że wkrótce (1850) opublikował ją w swoim czasopiśmie, w dziale „literatura rosyjska”. Od tego momentu rozpoczęła się współpraca dramatopisarza z tym pismem.

Wkrótce po przeczytaniu jego sztuki w MP Pogodin, A.N. Ostrovsky postanowił przedstawić go swoim przyjaciołom. I tak w środowisku literackim Moskwy i Petersburga zaczęto mówić o „młodej redakcji” „Moskwicjanin”, która miała wtedy już dziesiąty rok. Wśród autorów wymieniono nazwiska AN Ostrowskiego, AA Grigoriewa, TI Filippova i innych, a także N.V. Gogola, V.A. Zhukovsky'ego, PA Vyazemsky'ego, K.S.Aksakowa i wielu innych.

Komunikacja z MP Pogodinem i jego przyjaciółmi - słowianofile nie przeszła bez pozostawienia śladu dla A.N. Ostrovsky'ego; jak chcesz "). Ale były też sprzeczności między wydawcą a „młodą redakcją”, która chciała mieć większą niezależność. Poseł Pogodin nie wierzył, że młodzi ludzie mogą zachować w magazynie tradycje Karamzina i Puszkina. Na początku lat pięćdziesiątych Moskwicjanin publikował już takie sztuki jak Biedna narzeczona (1852), Nie siedź w saniach (1853), Nie żyj tak, jak chcesz (1855). Cennym nabytkiem „Moskvityanina” była współpraca w nim PI Mielnikowa i Pisemskiego.

Wkrótce poseł Pogodin zaczął wytykać słabości dziennika. Jeden z jego przyjaciół doradził przyjaźnie: „Zawsze masz dużo literówek. Nawet inne czasopisma zaczęły cię w tym naśladować. Wygląd zewnętrzny moskiewski nie eleganckie, czcionki są oklepane i brzydkie: wcale

w tym przypadku byłoby źle, gdybyś naśladował Współczesny, najbardziej szykowny rosyjski magazyn ”.

W październiku 1857 Apollo Grigoriev został zatwierdzony jako redaktor Moskvityanin, ale do tego czasu był już we Włoszech, a Moskvityanin musiał zostać zamknięty.

14 stycznia 1853 r. wystawiono pierwszą sztukę wystawianą w teatrze komedia „Nie wsiadaj do sań, nie siadaj”. Znana już wtedy Ljubow Pawłowna Kositskaya zgodziła się zagrać główną rolę. Żywa mowa, bogata w codzienne barwy, zachwyciła publiczność. Poseł Łobanow pisze o tym w ten sposób: „Ale nastąpiło to, co było już szczytem spektaklu, co pozostało na zawsze w pamięci tych, którzy mieli szczęście zobaczyć Siergieja Wasiliewa. W rozmowie z Rusakowem, który pyta, dlaczego on, Iwanuszka, nie był szczęśliwy, Borodkin odpowiada: „Coś jest trochę smutne”. Powiedział to jakby przez przypadek, ale z nieopisanym uczuciem, „jak zauważyła później krytyka, nie mogąc znaleźć słów, by wyrazić melancholię, która była słyszana w głosie Borodkina. Skromne, z pozoru zwyczajne uwagi rozbłysły nagle z taką doniosłością i głębią uczucia, że ​​dla publiczności była to cała rewelacja, zadziwiła ich i wywołała oszałamiające wrażenie.”

„Artyści wkroczyli w swoje role tak entuzjastycznie, z taką bezinteresownością, że sprawiali wrażenie pełnej witalności tego, co dzieje się na scenie. Było oczywiste, co sam Ostrowski nazwał później „szkołą”. naturalny oraz ekspresyjny Gry".

Iwan Aksakow napisał do Turgieniewa, że ​​wrażenie, jakie wywiera sztuka

AN Ostrovsky na scenie „trudno porównać z jakimkolwiek wcześniej doświadczonym wrażeniem”.

Chomiakow napisał: „Sukces jest ogromny i zasłużony”.

Ten sukces dramaturga otworzył drzwi do powstającego Teatru Ostrowskiego.

Wraz z przybyciem A.N. Ostrowskiego do Teatru Małego zmienił się sam teatr. Na scenie pojawili się zwykli ludzie w marynarkach, zatłuszczonych butach i perkalowych sukienkach. Aktorzy starszego pokolenia wypowiadali się negatywnie o dramatopisarzu. Ze sztuk A.N. Ostrovsky'ego w rosyjskim teatrze potwierdza się zasady realistycznego dramatu narodowego. „Przed widzem ma być nie sztuka, ale życie, żeby była pełna iluzja, żeby zapomniał, że jest w teatrze” – to zasada, którą kieruje się dramaturg. W jego sztukach realistycznie łączono wysokie i niskie, komiczne i dramatyczne, codzienne i niezwykłe.”

Nowym etapem w twórczości dramaturga stała się współpraca z magazynem „Sowremennik”. Częste podróże A.N. Ostrovsky'ego z Moskwy do Petersburga doprowadziły go do salonu literackiego I.I. Panaeva. To tutaj poznał L.N. Tołstoja, IS Turgieniewa, F.M. Dostojewskiego, N.A. Niekrasowa, N.A. Dobrolyubowa i wielu innych autorów czasopisma, które w tym czasie redagował N.A. Niekrasow ... Przez dość długi czas A.N. Ostrovsky współpracował z Sovremennikiem, w którym dramaty: Uroczysty sen do kolacji (1857), Nie spotkaliśmy się (1858), Stary przyjaciel jest lepszy niż dwoje nowych (1860), Kozma Zacharyich Minin-Sukhoruk „(1862)”, „Ciężkie dni” (1863), „Jokerzy” (1864), „Wojewoda” (1865), „W ruchliwym miejscu” (1865). Po zamknięciu pisma w 1866 r. dramaturg opublikował prawie wszystkie swoje sztuki w czasopiśmie Otechestvennye Zapiski, które stało się jego następcą, redagowanym przez N.A.

W 1856 r. A.N. Ostrovsky wziął udział w ekspedycji etnograficznej Ministerstwa Marynarki Wojennej i udał się na studia nad sposobem życia, warunkami życia, kulturą, rybołówstwem w miastach Wołgi od górnej Wołgi do Niżnego Nowogrodu. Podróż wzdłuż Wołgi dostarczyła tak bogatego materiału, że A.N. Ostrovsky postanowił napisać cykl sztuk pod ogólnym tytułem „Noce nad Wołgą”. Główną ideą cyklu miała być idea ciągłości w życiu i kulturze narodu rosyjskiego, jednak plany te pozostały niespełnione. W tym samym czasie A.N. Ostrovsky rozpoczął prace nad słownikiem Wołgi, który później przekształcił się w Słownik rosyjskiego języka ludowego. Po śmierci dramaturga jego badania leksykarskie zostały przeniesione do Akademii Nauk i częściowo wykorzystane w słowniku akademickim języka rosyjskiego, wydawanym od 1891 r. pod redakcją J.K. Grota.

Drugi okres twórczości A. N. Ostrovsky (1860 - 1875).

Jeśli na pierwszym etapie swojej twórczej ścieżki A.N. Ostrovsky malował głównie negatywne obrazy („Ubóstwo nie jest wadą”, „Nie żyj tak, jak chcesz”, pozytywne, (popadając w słodką idealizację klasy kupieckiej, patriarchatu, religii na trzecim etapie, począwszy od 1855 roku, dochodzi wreszcie do potrzeby organicznej fuzji w swoich sztukach zaprzeczania i afirmacji) są ludźmi pracy.

Drugi okres lat 60-75 obejmuje takie sztuki jak "Stary przyjaciel lepszy niż dwoje nowych", "Trudne dni", "Jokery", "Nie cały karnawał dla kota", "Późna miłość", " Chleb pracy”, „W ruchliwym miejscu” , „Nie było ani grosza, ale nagle altyn”, „Trylogia o Balzaminovie”, „Psy się kłócą” i „Otchłań”.

Rozwijał się temat sztuk A.N. Ostrowskiego; staje się przedstawicielem wszystkich głównych stanów swojej epoki.

„Wykształcona Moskwa lat 40. miała dwa ulubione dzieci, z których była dumna, z którymi łączyła swoje główne nadzieje i sympatie: uniwersytet i teatr. Teatr Bolszoj panował niepodzielnie: w tragedii - Mochałow, w komedii - wielki Szczepkin ”. A.N. Ostrovsky był również smagany huraganem entuzjazmu dla Mochalova. Później wyraził myśl, że potrzeba tragedii wśród „młodej publiczności” jest większa niż potrzeba komedii czy dramatu rodzinnego: „Ona potrzebuje głębokiego oddechu na scenie, dla całego teatru, potrzebuje szczerych, ciepłych łez, ciepłe przemówienia, które wleją się prosto w duszę”. Dwadzieścia lat później AN Ostrowski w dramacie „Otchłań” przedstawi spacer po Ogrodzie Neskuchnym, który znał z pierwszej ręki, a w usta przechadzających się kupców i studentów włoży burzliwą aprobatę dla sztuki Mochalowa z melodramatu Ducange „Trzydzieści lat, lub Życie Gracza:

"Kupiec. Tak, tak Moczałow! Szanowany.

Żona. Tylko te występy są bardzo do oglądania

żałosny; więc to nawet za dużo.

Kupiec. Cóż, tak, dużo rozumiesz!”

„W Otchłani szczególnie mocno i poniekąd osobiście zostanie opisana diabelska pokusa łapówki: życie pcha pod pachę referendarza sędziowskiego i nie pozostawia mu żadnej wskazówki, by zachować uczciwość. Oto oczywiste dowody na to, że „wszyscy biorą”, i skargi matki, że rodzina umiera z głodu, i rozumowanie teścia-kupca w duchu, że ktokolwiek musi iść do sądu, i tak przygotowuje pieniądze: „Nie weźmiesz, więc inny odbierze mu.” Wszystko to, jak można by się spodziewać, kończy się tym, że bohater robi małe porządki w sprawie i zabiera od klienta wielką pulę, a potem szaleje z wyrzutów sumienia.”

„W roku wyzwolenia chłopów (1861) AN Ostrovsky ukończył dwie sztuki: małą komedię„ Gdziekolwiek pójdziesz, znajdziesz ”, gdzie w końcu poślubił swojego bohatera, Miszę Balzaminowa, i w ten sposób ukończył trylogię o nim; i owoc 6 lat pracy - dramat historyczny w wierszu "Kozma Zacharyich Minin-Sukhoruk". Dwie rzeczy są biegunowe pod względem gatunku, stylu i celów. Wydawałoby się, co mają wspólnego z tym, czym żyje i oddycha społeczeństwo? Jedni bohaterowie działają, inni tylko rozumują iw bardzo rosyjski sposób wszyscy śnią, że samo szczęście spadnie im na głowy.

AN Ostrovsky zastanawia się także nad stronami rękopisu Minina o narodzie, charakterze narodowym, o tym, jak ukształtował się i przejawił w historii. Dramaturg chciał, odwołując się do historii i instynktu poetyckiego, pokazać człowieka sumienia i wewnętrznego obowiązku, zdolnego w trudnym momencie wychować ludzi do wyczynu. W tamtym czasie był to nowy temat.

Za Mininem AN Ostrowski napisał wierszem dramat z życia XVII-wiecznego Wojewody, czyli sen nad Wołgą” (1865). Były w nim niezwykle udane strony, a IS Turgieniew po przeczytaniu wykrzyknął: „Cóż za śmierdząca poezja w miejscach, jak nasz rosyjski gaj latem! Ach, mistrzu, mistrzu, ten brodaty mężczyzna!”

Następnie pojawiły się kroniki „Dmitry the Pretender i Wasilij Shuisky” (1866) i „Tushino” (1867).

„Nigdy nie byłem w stanie ukłonić się i uciec, schlebiać władzom; Mówią, że z biegiem lat, pod jarzmem okoliczności, zanika świadomość własnej wartości, że potrzeba nauczy bułki jeść - ze mną, dzięki Bogu, tak się nie stało "- napisał AN Ostrovsky w liście do Gedeonowa . Dramaturg zdał sobie sprawę, że za jego plecami jest rosyjski teatr, rosyjska literatura.

Każdej jesieni dojrzewała nowa sztuka, grana w teatrze, z następującymi datami:

1871 - „Nie było ani grosza, ale nagle Altyn”;

1872 - „Królik XVII wieku”;

1873 - „Snow Maiden”, „Późna miłość”;

1874 - „Chleb pracy”;

1875 - "Wilki i owce", "Bogate narzeczone" i tak dalej ...

Trzeci okres twórczości A. N. Ostrovsky (1875 - 1886).

Należy zauważyć, że dramaty dramaturga trzeciego okresu poświęcone są tragicznemu losowi kobiety w trudnych warunkach Rosji lat 70. i 80. Temat ten obejmuje takie sztuki jak „Ostatnia ofiara” (1877), „Posag” (1878), „Serce nie jest kamieniem” (1879), „Niewolnice” (1880), „Winy bez winy” (1883) oraz inni. Bohaterki sztuk A.N. Ostrowskiego z trzeciego okresu są obrazem niewolników. Bohaterki przeżywają udrękę niespełnionych nadziei, nieodwzajemnionej miłości… Tylko nielicznym z tych kobiet udaje się wznieść ponad otoczenie. Uderzającym przykładem tak silnej osobowości jest bohaterka spektaklu „Winy bez winy” – Kruchinina.

Kiedyś ktoś powiedział A.N. Ostrovsky'emu, że w swoich sztukach idealizuje kobietę. Na to dramaturg odpowiedział: „Jak nie kochać kobiety, ona dla nas urodziła Boga”. Również w sztukach trzeciego okresu przed czytelnikiem pojawia się wizerunek drapieżnika-drapieżnika dla kobiet. A.N. Ostrovsky ujawnia duchową pustkę, zimną kalkulację i interes własny za szlachetnym wyglądem takiego drapieżnika. W sztukach ostatniego okresu pojawia się wiele epizodycznych postaci, pomagających oddać atmosferę np. hałaśliwego jarmarku.

W ostatniej sztuce dramatopisarza „Nie z tego świata”, podobnie jak w poprzednich, pojawiają się ważne kwestie moralne i psychologiczne – miłość, związek między mężem a żoną, obowiązek moralny i inni.

Pod koniec lat 70. AN Ostrovsky stworzył szereg sztuk we współpracy z młodymi dramatopisarzami: z N.Ya.Solovyovem - „Happy Day” (1877), „The Marriage of Belugin” (1877), „Wild Woman” (1879) , „Świeci, ale nie grzeje” (1880); z P.M. Nevezhinem - „Blazh” (1880), „Stary w nowy sposób” (1882).

W latach 70. A.N. Ostrovsky chętnie zwrócił się do tematów kroniki kryminalnej. W tym czasie został wybrany honorowym sędzią pokoju w okręgu kineszemskim, aw Moskwie w 1877 r. pełnił funkcję ławy przysięgłych w Sądzie Okręgowym. Fabuły procesów dały wiele. Przypuszcza się, że na fabułę „Posagu” podsunęła dramaturgowi sprawa zabójstwa z zazdrości, rozpatrywana w sądzie magistrackim Kineshmy.

W 1870 r. staraniem A.N. Ostrowskiego powstała kolekcja rosyjskich pisarzy dramatycznych, której był przewodniczącym. Aby zrozumieć estetyczne pozycje dramaturga, należy zauważyć, że A.N. Ostrovsky próbował powstrzymać upadek sztuki teatralnej w Rosji. Wiele osób z podziwem wspominało czytanie jego sztuk przez A.N. Ostrovsky'ego, jego pracę z aktorami przy roli. A.Ya Panaeva, PM Nevezhin, MI Pisarev i inni pisali o stosunkach z moskiewskimi aktorami, o ich ciepłych uczuciach do dramaturga

Rozdział 2. Historia powstania sztuki „Deep”.

Dzięki wytrwałej pracy A.N. Ostrovsky co roku tworzył nową sztukę, jednak już w 1857 r. Krytycy zapewniali czytelników, że nie można się już niczego spodziewać po A.N.Ostrowskim, że jego talent wymarł. Niespójność takich stwierdzeń została obalona pojawieniem się nowych utalentowanych sztuk, w szczególności sztuki „Otchłań”.

W maju 1865 r. A.N. Ostrovsky odbył podróż wzdłuż Wołgi. Wracając z podróży, kończy nową sztukę „W zajętym miejscu”, nadal tłumaczy z W. Szekspira, pracuje nad historyczną sztuką „Dmitrij pretendent i Wasilij Szujski”. W drugiej połowie grudnia kończy sztukę „Otchłań”, podsumowując ją swego rodzaju zakończeniem tematu Zamoskworeczje w latach 60-tych.

Z powyższego jasno wynika, że ​​w tym okresie działalność literacka A.N. Ostrowskiego była wszechstronna i niezwykle intensywna.

Po raz pierwszy sztuka „Otchłań” została opublikowana w gazecie „Petersburg Wiedomosti” w styczniu 1866 r. (nr 1, 4, 5, 6, 8). W przypadku niektórych jej druków wymagana była wstępna cenzura. W styczniu tego samego roku A.N. Ostrovsky odczytał sztukę w Kole Artystycznym, aw marcu „Głębiny” zostały już zatwierdzone przez Cenzurę Teatru. W kwietniu na scenie Teatru Małego widzowie obejrzeli nową sztukę A.N.

Publiczność powitała przedstawienie z głośną aprobatą. Należy zauważyć, że w tym okresie stosunki między A.N. Ostrowskim a dyrekcją cesarskich teatrów były bardziej napięte. Zauważa to również F. Burdin w jednym ze swoich listów do A. N. Ostrovsky'ego: „Ogólnie rzecz biorąc, musisz z wielkim rozgoryczeniem wyjaśnić, że Wyższe sfery nie faworyzują twoich prac. Są zniesmaczeni swoim oskarżycielskim patosem, duchem ideologicznym… doszli do tego, że „Otchłań” wzbudziła we władzach ogromne niezadowolenie i boją się to odłożyć”.

Potwierdza to tabela przedstawień sztuk A.N. Ostrowskiego z lat 1887-1917. Ciekawe, że pierwsze miejsce w tej tabeli zajmuje spektakl „Las” – 160 przedstawień rocznie. Spektakl „Otchłań” - mniej niż 15 przedstawień rocznie. Tej samej „dyskryminacji” poddano sztuki „Nie było ani grosza, ale nagle altyn”, „Gorące serce”, „Dość prostoty dla każdego mędrca”.

W swojej pracy A.N. Ostrovsky, podążając za N.V. Gogolem, kontynuował temat „małego człowieka”. Potwierdza to główny bohater spektaklu „Otchłań” – Kiselnikov. Nie jest w stanie walczyć i płynie z prądem życia. W końcu wciąga go otchłań życia. Poprzez ten obraz A.N. Ostrovsky pokazuje, że w istniejących

Rzeczywistość nie może pozostać biernym obserwatorem, z którym trzeba walczyć, bo inaczej otchłań pochłonie i nie da się z niej wydostać. Sztuki A.N. Ostrovsky'ego zarówno edukują, jak i skłaniają widza do myślenia o otaczającej rzeczywistości. Jak zauważa AI Revyakin w swojej pracy, dramaturg wierzył, że każdy rodzaj sztuki musi koniecznie edukować i być bronią w walce społecznej.

A.N. Ostrovsky nie tylko rysuje typy mieszkańców Zamoskvorechye, ale maksymalnie ujawnia czytelnikom i widzom strukturę społeczną, która determinowała zachowanie tych ludzi. W jaki sposób

A. V. Lunacharsky zauważył: „... jego twórcze oczy szybko przeniknęły dusze kalekich, teraz dumnych, teraz upokorzonych stworzeń, pełnych głębokiego kobiecego wdzięku lub ze smutkiem machających złamanymi skrzydłami wysokiego idealizmu. ... Z głębi ich potężnych piersi wyrywa się momentami wręcz śmieszny w swej formalnej ekscentryczności, ale taki nieskończenie ludzki krzyk o wyprostowanym życiu...”

Dramaturg nie uważał za swoją zasługę tak śmiałego i zgodnego z prawdą pokazania rzeczywistości. Dla A.N. Ostrovsky'ego prawda życia nie jest godnością, ale warunkiem dzieła sztuki. To najważniejsza zasada artyzmu.

W spektaklu „Otchłań” A. N. Ostrovsky nie odszedł od głównych tematów swoich dzieł i pokazał „dno” życia po reformie. Jednocześnie sztuka okazała się dla autora niezwykła gatunkowo: nie dramat – epizod, ale dramat – los, rodzaj powieści na twarzach. Wielu badaczy A.N. Ostrovsky'ego mówiło o wpływie na niego literatury zachodnioeuropejskiej, zwłaszcza o jego zapożyczeniach fabularnych ze źródeł zagranicznych. AI Revyakin zwraca uwagę na ² ... wpływ Schillera („Zbójcy” - i „Woewoda”, „Dmitrij oszust” - i „Dmitrij pretendent, mądry człowiek o raczej prostocie”), Szekspira („Sen nocy letniej” „- i „Snow Maiden”), V. Ducanj i Dino („Trzydzieści lat, czyli życie gracza” – i „Głębiny”)”.

Bohater spektaklu, Kiselnikow, z idealistycznego studenta lat 30. zmienia się w podoficera z lat 40. XX wieku. Każda akcja spektaklu rozgrywa się 5-7 lat później i przedstawia drogę młodego człowieka, który ukończył studia, wkraczając w życie z nadziejami i nadziejami na lepszą przyszłość. Jaki jest wynik końcowy? Poślubiając dziewczynę z Zamoskvoretsk, wpada w codzienność, jakby w otchłań. Czystość myśli kończy się zbrodnią – dużą łapówką, którą bohater widzi jako jedyny sposób na wyrwanie się z biedy.

Prawie każda sztuka A.N. Ostrowskiego została zakazana cenzurze teatralnej, ponieważ dramaturg raz po raz podnosił pytania o palące problemy naszych czasów. Ale nic nie mogło zmusić dramatopisarza do zmiany tematu jego sztuk.

Należy podać ogólny opis rękopisu sztuki „Głębokie”.

Rękopis sztuki, przechowywany w Oddziale Rękopisów Rosyjskiej Biblioteki Państwowej, zawiera 54 karty. Tekst napisany ołówkiem. Niektóre fragmenty są trudne do odczytania, ponieważ czas odcisnął piętno na tekście rękopisu (wynik długotrwałego przechowywania i wielokrotnego dostępu do tekstu). W rękopisie nie ma marginesów. Wszystkie notatki zostały sporządzone przez A.N. Ostrovsky'ego w pustych miejscach. Podczas przeglądania rękopisu odnajduje się dużą liczbę wstawek i uzupełnień, najczęściej dokonywanych bezpośrednio w tekście. Duże wkładki są umieszczane w wolnych miejscach lub oznaczone poniżej znakiem „F”. W rękopisie niewiele jest przekreślonych fragmentów, natomiast pierwotna wersja jest najczęściej przekreślona pogrubioną linią. Są też przekreślone fragmenty tekstu. Są arkusze, w których nie ma poprawek.

Można przypuszczać, że te fragmenty zostały natychmiast odnalezione przez A.N. Ostrovsky'ego. Niewykluczone jednak, że po wielu zmianach i poprawkach arkusze te można by przepisać od nowa. Nie da się wypowiedzieć kategorycznie na korzyść pierwszego lub drugiego założenia.

Cały rękopis napisany jest równym, małym pismem. Jeśli chodzi o wkładki, często można je zdemontować tylko za pomocą lupy, ponieważ nie było dla nich specjalnego miejsca, a Ostrovsky był zmuszony umieścić je w skąpych wolnych miejscach.

Uwagę zwracają liczby nad słowami, które pozwoliły autorowi osiągnąć dużą wyrazistość tekstu.

Na przykład:

Glafira

Teraz nie będę się ciebie bał, bo wejdziesz do naszego domu.

Pierwszy arkusz rękopisu jest szczególnie interesujący dla scharakteryzowania rękopisu.

Po pierwszych trzech wierszach:

"Przepaść"

„Sceny z życia w Moskwie”.

Scena I. ”

Natychmiast pojawiają się kolumny tekstu, napisane małym nieczytelnym pismem „dla siebie”. Po dokładnym zbadaniu można było odczytać niektóre słowa z tych zapisów. W tych nagraniach A.N. Ostrovsky uporządkował główne wydarzenia sztuki według scen. Podczas ostatecznego przetwarzania wszystkie te wpisy zostały przekreślone, ponieważ później stały się niepotrzebne. Ogólnie na pierwszym arkuszu znajduje się wiele notatek i szkiców autora. Wszystkie również są przekreślone. Jest to ogólny krótki opis wyglądu rękopisu sztuki A.N. Ostrowskiego „Otchłań”.

Przejdźmy teraz do uzupełnień i zmian dokonanych przez A.N. Ostrovsky'ego podczas ostatecznej edycji, których w rękopisie jest sporo. Ponieważ charakter tej pracy nie zapewnia pełnego i dokładnego przestudiowania rękopisu, analizie poddane zostaną tylko te miejsca, które uległy zmianom w trakcie tworzenia spektaklu. Konieczne jest przeanalizowanie i ustalenie celu i znaczenia tych poprawek, z których niektóre wprowadzają istotne zmiany w charakterze bohaterów, inne pomagają lepiej ukazać sytuację w sztuce.

§ 1. Analiza najważniejszych rozbieżności w oryginalnej i ostatecznej wersji rękopiśmiennej.

Badacze (A.I. Revyakin, G.P. Pirogov, V.Ya. Lakshin i inni) prac A.N. Ostrovsky'ego ustalili, że dramaturgowi rzadko udaje się od razu rozpocząć sztukę. Długo i wytrwale wypracowywał pierwsze uwagi, układ postaci. A.N. Ostrovsky starał się, aby pierwsze uwagi bohaterów sztuki były podobne do toczącego się dialogu.

Bardzo często jego spektakle zaczynają się od odpowiedzi, która pozwala łatwo zasugerować poprzednie działania, które miały miejsce przed podniesieniem kurtyny. Właśnie ten początek obserwujemy w „Otchłani”.

Scenai.

Akcja rozpoczyna się od omówienia nowej przetłumaczonej sztuki Ducange'a Trzydzieści lat, czyli życie gracza. Dyskusję prowadzą kupcy i ich żony.

Pierwszy fenomen od razu odniósł AN Ostrowski, gdyż dramaturg bardzo dobrze studiował kupców i niejednokrotnie słyszał opinie takich „koneserów sztuki”.

Drugi fenomen „Otchłani” został pierwotnie pomyślany jako dyskusja o tej samej sztuce, ale teraz przez studentów. AN Ostrowski przeciwstawił opinię kupców opinii studentów. W pierwszej wersji uczniowie nie tylko opowiadali o spektaklu, ale także mówili o teatrze „jako najwyższej przyjemności”. „Życie gracza” było omawiane przez trzech studentów i dwie inne postacie, które nie znalazły się w obsadzie spektaklu. Te postacie pojawiają się z A.N. Ostrovsky pod imionami Alb i Galosh. Podobno autor podał ich nazwiska w formie skróconej.

Zjawisko to ma prawdopodobnie największą liczbę poprawek. A.N. Ostrovsky prawie całkowicie zmienia tekst tego zjawiska: usuwa wypowiedź pierwszego ucznia o teatrze, zamiast trzech uczniów, tylko dwóch uczestniczy w rozmowie; wprowadzono nową osobę - Pogulyaev.

To prawda, Pogulyaev mówi tylko jedno zdanie, ale jego pomysły są rozwijane przez studentów. Autor usuwa też długie argumenty Alba i Galosza.

Tym samym, po wprowadzonych zmianach, w drugim zjawisku pozostaje dwóch studentów i Pogulajew.

Co mogło spowodować takie przemyślenie tego zjawiska? Tak, najwyraźniej przez to, że sam A. Ostrovsky nie uważał za konieczne dużo mówić o sztuce „Życie gracza”, zwłaszcza że oświadczenie Pogulyaeva i uczniów daje dość pełną ocenę tej sztuki.

Pogulajew

A jak dobry był dzisiaj Mochałow. Szkoda tylko, że gra jest zła.

1. uczeń

Suchy kawałek. Naga moralność.

..................................................... .

Co za zabawa! To bzdury, o których nie warto mówić.

Długie i ogólne rozumowanie mogło jedynie odwrócić uwagę widza.

W trzecim zjawisku początkowo były tylko dwie postacie: Kiselnikov i Pogulyaev. Rozmowa między przyjaciółmi toczyła się przez cały fenomen. Życie Kiselnikowa nie było zbyt udane, dlatego nie dziwi fakt, że Kiselnikow chętnie opowiada o wszystkim swojemu przyjacielowi Pogulyaevowi.

Przy takim ustawieniu postaci akcja okazała się nieco monotonna. Rozmowa „tete a tete” nie pasuje do A.N. Ostrovsky'ego, aw nowym wydaniu przedstawia jeszcze dwóch studentów, którzy studiowali razem z Kiselnikowem. Teraz trzy osoby już zadają pytania, a Kiselnikovowi tylko udaje się na nie odpowiedzieć.

Fakt, że Kiselnikov opowiada o swoim życiu nie tylko Pogulyaevowi, ale także obecnym studentom, charakteryzuje go jako osobę otwartą i towarzyską. Podczas edycji A.N. Ostrovsky nie zmienia fraz należących do Pogulyaeva i nie dodaje nowego tekstu. Dramaturg dzieli te frazy na repliki. Teraz w nowej wersji są już wymawiane przez studentów.

W oryginalnej wersji A.N. Ostrovsky nie wskazuje, jak długo Pogulyaev nie widział Kiselnikowa, wyjaśnienie to pojawia się tylko w poprawionej wersji.

Co ciekawe, w oryginalnej wersji sam Kiselnikov opowiadał o swoim życiu. Wraz z wprowadzeniem dwóch kolejnych znaków liczba pytań wzrasta, a zatem długie odpowiedzi Kiselnikowa dzielą się na mniejsze. Kiselnikov teraz częściej odpowiada monosylabami. W ten sposób A. N. Ostrovsky niejako daje do zrozumienia, że ​​Kiselnikov nie ma wielkiej ochoty mówić o sobie.

Pojawia się nowe zdanie, które Kiselnikow stara się uzasadnić we wszystkim, co powiedział.

Kiselnikow

Jednak wciąż mam na to wszystko czas.

Ale ponieważ za tą frazą nie kryją się żadne realne działania, dalszy dialog przechodzi do innego tematu.

Kiselnikow

Mój ojciec był surowym, kapryśnym starcem...

Ciągła obecność ojca przygnębiła Kiselnikowa.

Czwarte i piąte zjawisko pozostawił A.N. Ostrovsky w swojej pierwotnej formie. W piątym zjawisku pojawiają się nowe postacie. Ich cechy mowy zostały natychmiast odnalezione przez dramaturga.

W szóstym zjawisku po raz pierwszy pojawiają się wstawki ze znakiem „F”, w samym tekście jest wiele zmian i uzupełnień. Na uwagę zasługuje wstawka w odpowiedzi Glafiry na pytanie Pogulyaeva dotyczące jej studiów.

W oryginalnej wersji na pytanie Pogulyaeva o to, co robi, Glafira odpowiedziała:

Glafira

Zajmuję się haftem.

W ostatecznej wersji A.N. Ostrovsky dodaje:

Glafira

Zwykle to, co robią młode panie. Zajmuję się haftem.

Jej zdaniem wszystkie młode panie zajmują się tylko haftem i nie interesują się niczym innym.

Nie ma wątpliwości, że A.N. Ostrovsky tym dodatkowym zwrotem w odpowiedzi Glafiry podkreśla wąski zakres jej zainteresowań. Być może tym dodatkowym zwrotem dramaturg przeciwstawia się jednocześnie edukacji Kiselnikowa i ograniczeniom jego narzeczonej.

Przejdźmy teraz do innej sceny, w której Kiselnikov przekonuje Pogulyaeva, że ​​nie ma lepszej rodziny niż Borowcowowie, że nic nie może być lepsze niż ich rodzinne przyjemności. W pierwotnej wersji rękopisu Pogulajew po cichu słucha Kisielnikowa i tym samym niejako w dużej mierze się z nim zgadza. Ale podczas redagowania oryginalnego tekstu A.N. Ostrowski nie jest zadowolony z takiego zachowania Pogulajewa i pojawia się nowa linia, w której autor ustami starego towarzysza Kiselnikowa wyraża swój stosunek do sposobu życia Borowcowów.

Pogulajew

No nie, jest coś lepszego niż to.

Zamiast milczącej zgody widoczny jest protest Pogulajewa.

Aby pokazać ograniczone zainteresowania i poglądy Borowcowej, A.N. Ostrovsky natychmiast wprowadza jej uwagę.

Borowcow

Czy to taniec, czy co? Dobrze im. Mąż tego nienawidzi.

Tak więc w szóstym fenomenie pierwszej sceny te dwie krótkie wstawki (słowa Glafiry i słowa Borowcowej) w istotny sposób ujawniają cechy rodziny Borowcow, podkreślając ich indywidualność i kontrast z Kiselnikowem.

W siódmym, ostatnim fenomenie pierwszej sceny nie ma znaczących zmian w tekście.

ScenaII

Mija siedem lat. Życie Kiselnikowa po ślubie nie zmienia się na lepsze. Teść nie daje mu obiecanego spadku, Glafira z potulnej dziewczyny zamienia się w chciwą i histeryczną kobietę.

Pierwsze pojawienie się drugiej sceny rozpoczyna się skandalem między Ki-Selnikowem a Glafirą.

W pierwotnej wersji rękopisu, gdy afera osiąga szczyt, czytamy:

Kiselnikow(szczypie uszy)

W ostatecznej wersji:

Kiselnikow(szczypie się w uszy, krzyczy)

Jesteście moimi tyranami!

Tylko jedna uwaga i jak zmienia się charakter obrazu! W pierwszej wersji Kiselnikov ma charakter pasywny, w którym niszczona jest wszelka zdolność do walki. W wersji ostatecznej – przed nami staje człowiek, którego los zmusił do życia wśród znienawidzonych ludzi, musi się dostosować, ale bohater nie boi się wypowiadać swojej opinii o innych. Pod koniec objawienia A.N. Ostrovsky wprowadza długi monolog Kiselnikowa, w którym prawie żałuje swojego zachowania.

Tą uwagą Kiselnikowa, wzmocnioną dodaniem tylko jednego słowa do uwagi: „krzyków” i dodatkowo wprowadzonego monologu na zakończenie zjawiska, AN Ostrowski pokazuje, że w duszy bohatera spektaklu, który przeżył od siedmiu lat w królestwie kupieckiego obskurantyzmu nie wygasła jeszcze walka między bierną a czynną zasadą swojej natury, ale bierna zasada zaczyna zdobywać przewagę i wsysać się w otchłań kupieckiego życia.

A.N. Ostrovsky nie od razu otrzymuje wizerunek Glafiry. W ostatecznej wersji dramaturg zwraca uwagę czytelników na swoją chamstwo i chciwość. W pierwotnej wersji rękopisu czytamy:

Glafira

Ile razy kazałem ci przepisać dom na moje imię…

Kiselnikow

W końcu to jej dom, jej własny?...

Glafira

A co z nią? Daję jej swoje sukienki, nie żałuję

Tak się złożyło, że Glafira dobrze traktuje matkę Kiselnikowa - daje jej jego sukienki. Ale te słowa przeczyły charakterowi chciwej Glafiry.

Podczas redagowania rękopisu A.N. Ostrovsky koryguje tę rozbieżność. Ale jednocześnie dramaturg nie zmienia tekstu mowy bohaterów, a jedynie w ostatnich słowach Glafiry, przed słowem „sukienki”, wstawia definicję „stare”. Teraz odpowiedź Glafiry wygląda tak:

Glafira

A co z nią? Oddaję jej swoje stare sukienki, nie żałuję za nią...

Tak więc jednym słowem, wprowadzonym podczas montażu, A.N. Ostrovsky ujawnia nieistotną duszę Glafiry i ujawnia nowe cechy jej postaci: bezduszność, bezduszność.

W drugim występie Borowcowowie odwiedzają Kiselnikowa. Glafira ma imieniny, a rodzice gratulują jej. Okazuje się, że Kiselnikow złożył już kolczyki Glafiry, które zostały jej przekazane jako posag. Rodzice Glafiry są oburzeni. Ale Kiselnikov nie miał innego wyjścia. Pieniądze, które otrzymuje z usługi, są zbyt małe, aby wyżywić dużą rodzinę. Borowcow uczy Kiselnikowa brania łapówek. Maluje mu bogate życie.

W pierwotnej wersji nauczanie Borowcowa nie ujawnia całkowicie jego poglądów na życie. W ostatecznej wersji A.N. Ostrovsky dodaje:

Borowcow

Żyjesz dla swojej rodziny - tu jesteś dobry i uczciwy i walczysz z innymi jak na wojnie. To, co udało ci się złapać i przeciągnąć do domu, wypełnij i zakryj swoją chatę ...

W tych dodanych słowach czytelnik ukazuje obraz chciwego drapieżnika, dbającego tylko o własne dobro. Jeśli to głowa rodziny Borowcowów, to pozostali jej członkowie również. A.N. Ostrovsky po raz kolejny podkreśla niemożliwość, niezgodność poglądów na życie Kiselnikowa i Borowcowów.

W trzecim zjawisku A.N. Ostrovsky nie wprowadza żadnych specjalnych zmian podczas edycji.

W czwartym zjawisku drugiej sceny, redagując pierwszą wersję rękopisu, aby w pełni ujawnić postacie, A.N. Ostrovsky dodaje do ich wypowiedzi.

Goście gromadzą się w domu Kiselnikowa. Perejarkow i Turuntaev przyjeżdżają na imieniny Glafiry. W pierwszej wersji rękopisu, gdy Anna Ustinovna trzyma herbatę dla gości, a Glafira na oczach wszystkich krzyczy na swoją teściową, czytamy:

Glafira

Dlaczego zawiodłeś tam ze swoją herbatą!

................................................

Deptać tylko w domu, ale nie ma sensu.

Borowcow

Cóż, ciszej, ciszej! Cześć tatusiu!

W ostatecznej wersji A.N. Ostrovsky podkreśla dwulicowość Borowcowej.

Borowcow

Cóż, ciszej, ciszej! Nie krzycz przed ludźmi! Niedobrze. Cześć tatusiu!

Z tego dodatku wynika, że ​​Borovtsova dba tylko o zewnętrzną przyzwoitość, wcale nie jest przeciwna krzyczeniu Glafiry na swoją teściową, ale nie publicznie. Wniosek mimowolnie sugeruje, że nowe zdanie w przemówieniu Borovtsovej dodał A.N. Ostrovsky nie tylko w celu promowania jej postaci, ale także postaci Glafiry. Staje się jasne, że potulność Glafiry przed ślubem była ostentacyjna, az natury i wychowania była niegrzeczna i chciwa.

Ten mały dodatek odsłania charakter dwóch postaci jednocześnie.

W oryginalnej wersji, gdy przybywa Pogulyaev, Glafira spotyka się z nim całkiem życzliwie.

Pogulyaev (Glafire)

Mam zaszczyt pogratulować. (kłania się wszystkim)

Glafira

Dziękuję pokornie.

Z dialogu jasno wynika, że ​​Glafira akceptuje Pogulyaeva bez radości, ale czysto zewnętrznie jej zachowanie nie wykracza poza granice przyzwoitości. W ostatecznej wersji A.N. Ostrovsky dodaje jeszcze jedno zdanie do przemówienia Glafiry:

Pogulyaev (Glafire)

Mam zaszczyt pogratulować. (kłania się wszystkim).

Glafira

Dziękuję pokornie. Dopiero teraz nie spodziewaliśmy się obcych, chcemy spędzać czas między naszymi.

W ostatecznej wersji znaczenie odpowiedzi Glafiry na powitanie Pogulyaeva zmienia się diametralnie. Pierwsze zdanie wypowiada jak z kpiną, po czym podkreśla, że ​​Pogulajew jest dla nich obcy. W ten sposób ujawnia się jeszcze jedna cecha charakteru Glafiry: obojętność na „niepotrzebnych” ludzi.

W rozmowie z Pogulajewem Pierejarkow podkreśla, że ​​oni (Borowcowowie, Pierejarkow i Turuntajew) mają między sobą czułość; że „żyją w doskonałej harmonii”. Ale gdy tylko Perejarkow zerka na karty sąsiada (robi to bez wyrzutu sumienia), Turuntaev nazywa go rabusiem na oczach wszystkich.

Rozpoczyna się potyczka. Każdy z obecnych próbuje jeszcze bardziej obrazić swojego towarzysza. Podczas edycji A.N. Ostrovsky dodaje nowe linie. Teraz wszyscy ci „mili” ludzie wyglądają jak targowiska.

Perejarkow

Odsetek! Kościej! Judaszu!

Turuntajew

Złodziej, złodziej dnia!

Borowcow

Dlaczego szczekasz!

Turuntajew

Co ty, arszyniku!

Do tych uwag, wprowadzonych w finale kłótni między Borowcowem a Turuntajewem, w redakcji A.N. Ostrowski dodaje zdanie Pogulajewa, będące zakończeniem tej sceny.

Pogulajew

Tyle dla Ciebie!

Pod koniec objawienia Pogulajew udziela Kiselnikowowi pożyczki. Kiselnikov jest mu bardzo wdzięczny. Początkowo wyglądało to tak:

Kiselnikow

Dziękuję bracie, dziękuję, pożyczyłem! Oto przyjaciel, więc przyjaciel! Gdyby nie on, całkowicie bym się zhańbił przed teściem.

Po edycji oryginalnej wersji czytamy:

Kiselnikow

Oto przyjaciel, więc przyjaciel! Co jest do zrobienia, jeśli nie on! Gdzie iść? Bóg zesłał mi to za moją prawdę i łagodność. Byłoby więcej takich przyjaciół, więc łatwiej byłoby żyć na świecie! Gdyby nie on, całkowicie bym się zhańbił przed teściem.

Na co A.N. Ostrovsky chce zwrócić naszą uwagę? Czy w ostatecznej wersji zmienia się znaczenie słów Kiselnikowa?

W pierwszej wersji A.N. Ostrovsky nie ujawnia słowa „przyjaciel” w rozumieniu Kiselnikowa. W ostatecznej wersji staje się jasne, że dla niego przyjaciel jest tym, który może pożyczyć pieniądze. Dramaturg podkreśla, że ​​potrzeba tłumi wszystkie inne uczucia w Kiselnikowie.

Na początku spektaklu Kiselnikow wciąż próbuje protestować. Nawet gdyby były to tylko słowa, mogły też wejść w czyny. Stopniowo A.N. Ostrovsky doprowadza czytelnika i widza do tragicznego finału sztuki. Na końcu drugiej sceny Kisielnikow to osobowość słaba, o słabej woli, niezdolna do protestu, przypisująca sobie łagodność i cierpliwość.

ScenaIII

W rękopisie A.N. Ostrovsky zaczyna pisać trzecią scenę Głębin z drugiego występu. Widocznie dramaturg nie był gotowy na przedstawienie pierwszego zjawiska i zostawił je „na później”. Pierwsze zjawisko następuje po drugim, potem trzecie i tak dalej.

W pierwszym występie trzeciej sceny A.N. Ostrovsky opowiada o życiu Kiselnikowa w ciągu ostatnich pięciu lat.

Mija kolejne pięć lat. Glafira zmarł. Dzieci są chore, ale Kiselnikov nie ma pieniędzy na ich leczenie. Teść, na którym Kisielnikow wiązał swoją ostatnią nadzieję, „okazał się niewypłacalny”. Ale Kiselnikow nadal ma nadzieję, że Borowcow zwróci przynajmniej część pieniędzy, które zabrał. Aby nie denerwować matki, Kiselnikow próbuje zaszczepić jej choć odrobinę nadziei.

Kiselnikow

Jutro rano pójdę do teścia. Nie oddam, po prostu wezmę za kołnierz.

Anna Ustinovna

Zapytaj dobrze ...

Matka radzi synowi, aby najpierw spytał go dobrze, a potem może wyjść za drzwi. Z natury Kiselnikov jest osobą o słabej woli. Nigdy nie może „przejść przez bramę”. Anna Ustinovna doskonale o tym wie. W końcu Kiryusha łatwiej ustąpi, niż użyje siły i nacisku, nawet w sprawie z własnymi pieniędzmi. Na poparcie tego A.N. Ostrovsky dodaje:

Anna Ustinovna

Więc gdzie jesteś! Lepiej zapytaj dobrze ...

To wstawione zdanie po raz kolejny, poprzez słowa matki, bardzo obrazowo ujawnia słabą wolę jej syna.

Konieczne jest bardziej szczegółowe przyjrzenie się drugiemu zjawisku. To chyba najbardziej dramatyczny fragment w sztuce. W drugim zjawisku rozgrywają się główne wydarzenia, które zmieniają charakter Kiselnikowa, który następnie stanie się przewodnikiem w jego kolejnych poczynaniach.

Do Kiselnikowa przyjeżdżają Borowcow i Perejarkow. Borowcow jest teraz kiepsko ubrany, a sam przyszedł z prośbą do zięcia. W ostatecznej wersji A.N. Ostrowski wprowadza do słów Borowcowa adres „BRAT”. Teść dzwoni do Kiselnikowa, więc nie dlatego, że go kocha, to tylko nowa sztuczka Borowcowa, by zrealizować swój nikczemny plan. A.N. Ostrovsky wprowadza znaczące zmiany w przemówieniu Perejarkowa, który kieruje wszystkimi działaniami Borowcowa na tym spotkaniu.

W oryginalnej wersji czytamy:

Perejarkow

Płakać! W końcu będziesz płakać przed innymi wierzycielami.

W nowym wydaniu Perejarkow udziela Borowcowowi bardziej szczegółowych i wyrafinowanych porad:

Perejarkow

Płakać! Dlaczego nie płaczesz? Twoja firma jest teraz taką sierotą. W końcu będziesz płakać przed innymi wierzycielami. Będziemy musieli pokłonić się u naszych stóp.

W nowej wersji A.N. Ostrovsky podkreśla przebiegłość Perejarkowa. Takie słowa mogą żałować każdej osoby, a tym bardziej Kiselnikowa. Borowcow z góry wie, że po tym wszystkim, co zostało powiedziane i rozegrane, Kiselnikow zgodzi się mu pomóc i podpisze niezbędny dokument.

Naiwny Kiselnikow jest gotów uwierzyć Borowcowowi i oddać własne pieniądze. Aby podkreślić hojność Borowcowa „w słowach”, w ostatecznej wersji pojawia się nowa uwaga.

Borowcow

Jak możesz w coś nie wierzyć, ekscentryku! pozłacę cię później... pozłacę cię później...

AN Ostrovsky zwraca uwagę na „później”, które tu graniczy z „nigdy”.

W pierwotnej wersji rękopisu A.N. Ostrovsky zakończył drugie zjawisko udaną transakcją. Aby odsłonić stan ducha bohatera, jego rozpacz i lęk przed życiem, A.N. Ostrovsky w nowej wersji wprowadza monolog Kiselnikowa.

Kiselnikow

Moje dzieci, dzieci! Co ja ci zrobiłem! Jesteś chory, jesteś głodny; jesteś okradziony, a twój ojciec pomaga. Przyszli rabusie, zabrali ostatni kawałek chleba, ale ja z nimi nie walczyłem, nie skaleczyłem się, nie gryzłem zębami, ale sam je dałem, ostatnim jedzeniem oddałem własnymi rękami. Ja sam rabowałem ludzi i was karmiłem - obaj mi wybaczyli, a Bóg by mi wybaczył; a ja wraz ze zbójnikami obrabowałem was. Mamo, mamo!

W trzecim występie Kiselnikov opowiada matce o wszystkim, co się wydarzyło. Obaj są poruszeni. W ostatecznej wersji A.N. Ostrovsky wprowadza krótkie uwagi, które dodają ich rozmowie dynamizmu i dodatkowo potęgują dramaturgię sytuacji.

Anna Ustinovna

Nie mrucz, Kiryusha, nie mrucz!

Kiselnikow

Och, umrzeć teraz!

Anna Ustinovna

I dzieci, dzieci!

Kiselnikow

Tak, dzieci! Cóż, to, czego brakuje, zniknęło.

Ostatnia uwaga świadczy o roztropności Kiselnikowa. Rozumie, że łzy nie mogą pomóc w żalu.

W pierwotnej wersji rękopisu A.N. Ostrovsky wkłada w usta Kiselnikowa tylko następujące słowa:

Kiselnikow

Kiedy odpoczywać! Biznes nie toleruje. Usiądziesz ze mną! Nie będę się tak nudzić; a potem jest gorzej niż tęsknota za sercem do bani.

Ale z tych słów nie wynika jasno, jak Kiselnikow wyjdzie z tej sytuacji. Dlatego redagując tekst, A.N. Ostrovsky wstawia kilka nowych fraz do cytowanej wypowiedzi Kiselnikowa i tym samym pokazuje, że nie będzie siedział bezczynnie.

Kiselnikow

Kiedy odpoczywać! Biznes nie toleruje. Cóż, mamo, niech się cieszą! Nie wzbogacą się z naszymi pieniędzmi. Teraz zacznę pracować. Będę pracował dzień i noc. Usiądziesz ze mną! Nie będę się tak nudzić; a potem jest gorzej niż tęsknota za sercem do bani.

Interesujące wydaje się prześledzenie rozwoju życia Kiselnikowa.

Kiselnikov studiował na uniwersytecie, ale go nie ukończył. Miałem nadzieję, że będę kontynuował nauczanie. Spotyka Glafirę, poślubia ją z miłości i jest pewien, że Glafira też go kocha. Kiselnikov marzy o szczęśliwym i bogatym nowym życiu, ponieważ jego teść obiecuje Glafirze sześć tysięcy.

Jednak w życiu wszystko potoczyło się zupełnie inaczej. Glafira zamienia się w skandalicznego i chciwego kupca. Kiselnikow nie tylko nie otrzymuje obiecanych sześciu tysięcy, ale także traci swoje oszczędności, przekazane teście za pokwitowaniem kredytu.

Glafira umiera. Czworo chorych dzieci pozostaje w ramionach Kiselnikowa. Kiselnikov nie ma pieniędzy na leczenie. Wszystkie dzieci, z wyjątkiem Lisy, umierają. Ponadto bogaty teść zostaje „ogłoszony bankrutem”. Kisielnikow ma jeszcze ostatnią nadzieję, że teść zwróci mu przynajmniej część własnych pieniędzy, ale okoliczności są takie, że sam Kisielnikow, z litości dla teścia, „daje” mu tę ostatnią pieniądze. Taka jest pozycja zdesperowanego Kiselnikowa przed czwartym występem.

Wydarzenia czwartego wydarzenia zapowiadają zakończenie spektaklu. Nieznana osoba namawia Kiselnikowa do sfałszowania dokumentu. Za to oferuje dużą kwotę. Z natury Kiselnikov jest bardzo uczciwą i szlachetną osobą. Nigdy nie mógł sobie pozwolić na przyjęcie łapówki, nawet w krytycznej sytuacji, choć inni robili to bez wyrzutów sumienia. Ale teraz kruszy się ostatnia nadzieja. Teść mu „kradnie”. Pieniędzy nie ma i nie będzie, ale w ramionach starszej matki i córki, które wciąż trzeba postawić na nogi. W desperacji Kiselnikov fałszuje dokument. Redagując rękopis, chcąc podkreślić nieświadomość czynu Kiselnikowa, A.N. Ostrowski dodaje do oryginału następujące wypowiedzi swojego bohatera po popełnionej przez niego zbrodni służbowej:

Kiselnikow

Pan Bóg! Co ja robię! (płacz.)

...........................................................................

Nie zrujnujesz mnie. Rodzina, proszę pana!

W piątym objawieniu mamy przed sobą pędzącego Kisielnikowa z oczami pełnymi strachu. Jego mowa i czyny są nieuporządkowane. Jego stan jest bliski stanu pacjenta z gorączką. Przede wszystkim Kiselnikow boi się utraty pieniędzy, które właśnie dostał.

Kiselnikow

O mój Boże! Cóż, w pęknięciach, za tapetą, owiń szmatami.

Starając się podkreślić, że Kiselnikow nie dba o pieniądze dla siebie, ale dla swojej rodziny, opracowując to miejsce, A.N. Ostrovsky szerzej rozwija cytowaną uwagę.

Kiselnikow

O mój Boże! Cóż, w pęknięciach, za tapetą, owiń szmatami. Żebyś miał pieniądze, niż żebyś mieszkał po mnie z dziećmi.

Pod koniec czwartej i ostatniej odsłony trzeciej sceny, podczas montażu, A.N. Ostrovsky dodaje okrzyk Kiselnikowa.

Kiselnikow

Mamo, w końcu jestem na skraju ciężkiej pracy... Może jutro

To ostatni trzeźwy okrzyk Kiselnikowa.

ScenaIV

W pierwszym występie czwartej sceny widzimy całkowicie zrujnowanego Borowcowa i Kisielnikowa, który postradał zmysły.

Mija kolejne pięć lat. Zmienia się życie aktorów, zmienia się ich pozycja. Teraz Kiselnikow i Borowcow sprzedają razem stare rzeczy na placu. Potężny kupiec, teść Kiselnikowa, Borowcow, znajduje się w sytuacji swojego biednego zięcia. To jest życie.

Anna Ustinovna, która skończyła pięć lat, pozostaje tą samą oddaną matką, próbującą chronić swoją ukochaną Kiriuszę przed jakimkolwiek podnieceniem. Tę cechę charakteru podczas redagowania tekstu podkreśla A.N. Ostrovsky w nowym wydaniu.

W pierwszej wersji, gdy Borowcow przypomina Annie Ustinovnie jej poprzednie życie, czytamy:

Anna Ustinovna

Och, bądź cicho!

W drugiej wersji po edycji mamy:

Anna Ustinovna

Och, bądź cicho! Co z nim jesteś! Cóż, obudzi się i zapamięta ...

Anna Ustinovna ciągle martwi się Kiryushą. Wierzy, że Kiryusha może się obudzić.

Podczas redagowania oryginalnej wersji rękopisu AN Ostrowski dodaje do przemówienia Borowcowa słowa „talan to udział". Dlaczego? Dramaturg pokazuje nam, że nawet Borowcow, który żyje dla siebie i „prowadzi wojnę z innymi", próbuje aby życie Kiselnikowa było łatwiejsze. Wymyśla to przysłowie, aby Kiselnikov mógł w coś uwierzyć.

W drugim zjawisku najpierw spotykamy najstarszą córkę Kiselnikowa, Lizę, i ponownie spotykamy Pogulajewa. W pierwszej wersji A.N. Ostrovsky nie precyzuje, kim stał się Pogulyaev w ciągu ostatnich pięciu lat. Ale porównując jego życie z życiem Kiselnikowa, staje się to konieczne. W nowym wydaniu A.N. Ostrovsky wprowadza następujący dodatek do dialogu Pogulyaeva:

Pogulajew

Teraz prawnik, wymyślam.

Ta wstawka pokazuje, że Pogulyaev osiągnął dobrą pozycję w społeczeństwie i dostał miejsce w sądzie. Anna Ustinovna opowiada mu historię Kiselnikowa. Warto zauważyć, że w oryginalnej wersji jej historia zaczynała się od słów:

Anna Ustinovna

Usługa nie została mu oddana - jakoś się do niej nie przyzwyczaił; ...

W nowej wersji czytamy:

Anna Ustinovna

Rodzina, ojciec i krewni Kiriuszy zostali zrujnowani. Usługa nie została mu oddana - jakoś się do niej nie przyzwyczaił; ...

Nowymi słowami Anny Ustinovnej AN Ostrowski po raz kolejny podkreśla, że ​​głównym powodem obecnej pozycji Kiselnikowa nie jest służba, ale otoczenie.

Anna Ustinovna mówi Pogulyaevowi, że Kiryusha jest szalony. Podczas montażu A.N. Ostrovsky dodaje: „ze strachu”. Co to za strach? To strach przed uczciwym człowiekiem wobec prawa, strach głowy rodziny o córkę i matkę.

W rozmowie Lizy i Pogulyaeva A.N. Ostrovsky prawie nic nie zmienia. Dopiero ostateczna wersja porusza temat szczęścia. Okazuje się, że Pogulyaev ma wszystko oprócz szczęścia.

Pogulajew jest dość dobrze sytuowany finansowo i chętnie pomaga rodzinie przyjaciela. Na pamiątkę swojego starego znajomego wręcza Annie Ustinovnej banknot. Matka Kiselnikowa jest mu bardzo wdzięczna.

Anna Ustinovna

Pokornie dziękujemy, że my, sieroty, zostaliśmy zapamiętani. Odwiedzasz.

Aby ujawnić psychologię biednego człowieka, A.N. Ostrovsky uzupełnia powyższe słowa Anny Ustinovnej.

Anna Ustinovna

• Jeśli nie masz szczęścia, masz pieniądze; oznacza to, że nadal możesz żyć.

Pokornie dziękujemy, że my, sieroty, zostaliśmy zapamiętani. Odwiedzasz.

Ubogiej osobie szczęście czasem nie jest konieczne, gdy

mieć pieniądze.

Konstruując czwarte zjawisko, A.N. Ostrovsky dokonuje semantycznych poprawek w układzie wydarzeń.

W pierwotnej wersji czwarte zjawisko rozpoczęło się wraz z przybyciem Kiselnikowa z banknotem dziesięciorublowym, który został mu podarowany przez jego sąsiada za ubóstwo. W zmodyfikowanej wersji akcja zaczyna się od niespójnych słów Kiselnikowa, które przed chwilą usłyszał od mistrza i nawiedziły jego rozkołysaną psychikę.

Kiselnikow

Hodowla, hodowla...

...................................

Hodowla, jak mówi, to hodowla…

Kiselnikov zastanawia się nad słowami, które usłyszał, znowu idzie do mistrza. Lisa natychmiast rozumie, o co toczy się gra. Jest zdesperowana. Lisa może uratować swoją rodzinę, jeśli uda się do bogatego sąsiada w celu utrzymania. Co powinna zrobić?

Pod koniec występu Lisa wypowiada pełne rozpaczy słowa:

Lisa

Kto mi pomoże! Stoję nad przepaścią, nie mam się czego trzymać. Mili ludzie!

W trakcie redagowania tekstu A.N. Ostrovsky wprowadza zmiany w tej części rękopisu. Zmodyfikowana wersja:

Lisa

Kto mi teraz pomoże! Stoję nad przepaścią, nie mam się czego trzymać. Och, ratuj mnie, dobrzy ludzie! Babciu, porozmawiaj ze mną!

W pierwszej wersji Lisa mówi ogólnie o pomocy, a w ostatecznej o pomocy w tej chwili. Ten krzyk tonącego: „Uratuj mnie!” - moment kulminacyjny w obecnej sytuacji. Lisa prosi o pomoc, ale od kogo? Nawet babcia też się z nią nie odzywa, bo boi się dać jej złe rady i pozbawić rodzinę ewentualnego zbawienia. W zmodyfikowanej wersji A.N. Ostrovsky wzmacnia dramat obecnej sytuacji.

W piątym zjawisku ponownie pojawia się Pogulyaev. W pierwotnej wersji rękopisu zjawisko zaczyna się od okrzyku Lizy do Pogulajewa:

Lisa

Pomóż mi!

Można to uznać za nieoczekiwaną słomkę, którą Lisa chwyciła będąc w rozpaczy. Nie obchodziło jej, kogo prosić o pomoc.

Podczas redagowania rękopisu A.N. Ostrovsky odrzuca tę opcję. Ze wszystkich ludzi wokół Lizy tylko Pogulyaev może jej pomóc. Dlatego w nowym wydaniu konkretyzuje apel Lizy.

Lisa

Och, jak jesteś na czas! Muszę prosić o radę, nie kogokolwiek. Pomóż mi.

Pogulyaev składa Lisie ofertę, a ona się zgadza. Informuje o tym Kiselnikowa. Reakcja Kiselnikowa na tę wiadomość ulega zmianie podczas redagowania rękopisu.

W pierwszej opcji:

Kiselnikow

Mama!

Anna Ustinovna

Prawda, Kiriuszo, prawda!

Co oznacza ten okrzyk Kiselnikowa? Strach, radość? Z tego wykrzyknika reakcja Kiselnikowa nie jest do końca jasna.

Opracowując tę ​​scenę, A.N. Ostrovsky uważa, że ​​ważne jest, aby Kiselnikow opamiętał się i uświadomił sobie w tym momencie, jakie szczęście spotkało jego córkę. Gdyby A.N. Ostrowski zmienił tylko słowa Kiselnikowa, to też by nie wystarczyło. Dlatego w przemówieniu Anny Ustinovnej pojawia się nowe zdanie, świadczące o zdrowym rozsądku Kiselnikowa w tym kluczowym momencie.

Kiselnikow

Mama! Liso! Czy on się żeni? Prawda?

Anna Ustinovna

Dzięki Bogu obudziłem się! Prawda, Kiriuszo, prawda!

Uwaga Anny Ustinovnej: „Dzięki Bogu, obudziłem się!” - podkreśla podwójną radość mamy. Po pierwsze Kiryusha opamiętał się i może cieszyć się szczęściem córki, a po drugie cieszy się, że Liza tak pomyślnie wychodzi za mąż.

W szóstym występie dramatu widzimy, że zdrowy rozsądek Kiselnikowa nie wychodzi na sam koniec dramatu. Kiedy Pogulajew zaprasza wszystkich, by się do niego przeprowadzili, Kisielnikow otwarcie mówi, że nie warto, że jest oszustem i teraz tylko teść może mu dotrzymać towarzystwa.

Redagując szóste zjawisko, dramaturg dokonuje zmiany w końcowym monologu Kiselnikowa, wzmacniając go okrzykiem:

Kiselnikow

Nie, Pogulyaev, weź je, weź je; Bóg cię nie opuści; ale prowadź nas, prowadź nas! ...

Kiselnikov boi się, że otchłań ssie jego córkę. Jego życie jest już złamane, więc niech Lisa nie powtarza jego błędów.

Rozważając i studiując rękopis A.N. Ostrowskiego „Otchłań”, łatwo jest ustalić dwie wersje jego pisma: początkową i końcową.

W konstrukcji kompozycyjnej przedstawienie rozumiane jest w następujący sposób.

Młody Kiselnikov poznaje swojego starego przyjaciela Pogulyaeva. Z historii Kiselnikowa dowiadujemy się, jak żył ostatnio. Tutaj dowiadujemy się, że Kiselnikow zamierza poślubić Glafirę. Wszystkie te wydarzenia są ekspozycją sztuki.

Kiselnikow ożenił się. Jego życie się zmieniło. A.N. Ostrovsky opowiada o wszystkich nieszczęściach, które spadły na jego głowę. Małżeństwo Kiselnikowa to początek spektaklu.

A.N. Ostrovsky stopniowo doprowadza nas do punktu kulminacyjnego. Najpierw Kiselnikov traci obiecany spadek, a potem oddaje teściowi własne pieniądze. Najwyższym punktem kulminacji jest fałszerstwo dokumentu.

Spektakl ma dramatyczne rozwiązanie – Kiselnikov traci rozum.

Nad którym fragmentem sztuki dokładniej pracował A.N. Ostrovsky? Po ponownym przejrzeniu rękopisu jasne jest, że A.N. Ostrowski musiał wprowadzić równe zmiany we wszystkich częściach sztuki. Biorąc pod uwagę, że ekspozycja ma najmniejszą objętość i jest w niej wiele poprawek i uzupełnień, możemy powiedzieć, że A.N. Ostrovsky pracował nad ekspozycją ostrożniej.

Na uwagę zasługuje praca dramaturga nad głównymi bohaterami. Wszystkie obrazy są niemal od razu nakreślane przez autora w ich ostatecznej formie. W przemówieniu niektórych postaci A.N. Ostrovsky dodaje frazy i uwagi, które podkreślają nowe cechy charakteru. Dotyczy to zwłaszcza obrazów Kiselnikova i Glafiry. Obraz Pogulyaeva pozostaje w swojej pierwotnej formie, a nowe frazy w przemówieniu Anny Ustinovnej w żaden sposób nie wpływają na jej wizerunek. Służą do odsłaniania wizerunków i postaci innych bohaterów. A.N. Ostrovsky wprowadza również zmiany w charakterystyce obrazów Borowcowa i Borowcowej.

§ 2. Praca AN Ostrowskiego nad uwagami.

Prace A.N. Ostrovsky'ego dotyczące uwag należy omówić osobno. Na początek powinieneś zapoznać się ze słownikiem wyjaśniającym S. I. Ozhegova i poznać znaczenie słowa „REMARKA”:

W sztukach A.N. Ostrovsky'ego, aw tym przypadku w sztuce „Otchłań”, ważną rolę odgrywają kierunki. A to wynika przede wszystkim z tego, że w trakcie pracy dramaturg dokonał istotnych zmian nie tylko w głównym tekście utworu, ale także w kierunkach.

W spektaklu „Otchłań” występują trzy rodzaje uwag: uwagi dotyczące postaci, uwagi odsłaniające sytuację w życiu bohaterów oraz uwagi, które ujawniają bohaterów poprzez mowę i stan emocjonalny.

Niewiele jest uwag związanych z postaciami w rękopisie.

W ostatecznej wersji sztuki A.N. Ostrovsky zastępuje imię Gulyaev na Pogulyaev. Trudno powiedzieć, co mogło spowodować taką zmianę. Do charakterystyki Pogulyaeva autor dodaje: „ukończył kurs”.

Po edycji listy postaci A.N. Ostrovsky usuwa nazwisko panieńskie Borovtsova, w sztuce pojawia się nie jako Firsova, ale jako Borovtsova.

Po wprowadzeniu zmian w składzie postaci w sztuce A.N. Ostrovsky przekreśla wszystko, najwyraźniej w nadziei, że znów do tego wróci. Jednak w rękopisie nie ma nowej wersji postaci, dlatego oddano do druku wersję pierwotną.

Nie ma żadnych zmian w scenografii bohaterów przed drugą sceną.

W trzeciej scenie Glafira została zawarta w oryginalnej wersji postaci. Nie ma go w ostatecznej wersji.

A.N. Ostrovsky przywiązywał dużą wagę do opisu sytuacji wokół postaci na scenie. Dramaturg poświęcił wiele uwagi pracy nad tego typu scenografią.

W pierwszej scenie, po opisie postaci w pierwotnej wersji rękopisu, czytamy:

„Nudny ogród”.

To jest sceneria, w której powinna rozegrać się pierwsza scena.

Tak krótka uwaga nie satysfakcjonuje dramaturga. W ostatecznej wersji A.N. Ostrovsky ujawnia widzowi panoramę nudnego ogrodu.

"Nudny ogród. Łąka między drzewami; przed ścieżką i ławką; w głębi ścieżki drzewa za ścieżką i widok na rzekę Moskwę..." Dlaczego autorka ujawnia czytelnikom panorama nudnego ogrodu, w pobliżu którego mieszkali kupcy? Można przypuszczać, że AN Ostrovsky stara się osiągnąć większą wyobraźnię, zwraca uwagę na szczegóły: ławkę, ścieżki, drzewa ... Natura Zamoskvorechye pojawia się przed czytelnikiem i widzem (obfitość drzew, widok na Rzeka Moskwa). Opisy te podaje autor również dla większej rzetelności działania.

W drugiej scenie spektaklu nie ma wskazówek w oryginalnej wersji. Podczas przetwarzania i redagowania manuskryptu w tekście pojawia się uwaga:

„Mały pokój w mieszkaniu Kiselnikowa”.

Ta uwaga niepokoi czytelnika i widza. W końcu Kiselnikow miał nadzieję na wzbogacenie się, a sceneria drugiej sceny sugeruje inaczej. Ta uwaga bardzo wyraźnie i szczerze wprowadza w treść rozwijającej się akcji.

W trzeciej scenie pojawiła się krótka uwaga w oryginalnej wersji:

"Biedny pokój"

Ale co A.N. Ostrovsky ma na myśli przez tę definicję?

W nowym wydaniu, po dokonanych zmianach i uzupełnieniach, A.N. Ostrovsky ujawnia pojęcie „biedny”. Dramaturg nadaje tej definicji konkretną i jednowariantową interpretację:

„Biedny pokój; pomalowany stół i kilka krzeseł; łojowa świeca i sterta papierów na stole…”

To wyjaśnienie pokazuje, że główny bohater spektaklu, Kiselnikov, jest już na skraju biedy. Ponownie A.N. Ostrovsky zwraca uwagę na szczegóły i ogólnie nie patrzy na zdjęcie. Świeca na stole jest dokładnie „tłusta”, co sprawia, że ​​czytelnik wczuwa się w bohatera, podkreśla bałagan: „stosa papierów” na stole.

Przeanalizowane przypadki pokazują, że scenografie pomagają wydobyć treść i stworzyć określony nastrój.

Wreszcie trzeci rodzaj uwag: uwagi emocjonalne i uwagi, które wskazują, do kogo konkretnie zwraca się postać.

I tak np. w dialogu z Glafirą (scena II, pierwsze pojawienie) Kiselnikow, nie mogąc znieść obelg, zatyka uszy. W pierwotnej wersji, po zredagowaniu, A.N. Ostrovsky obdarza bierne zachowanie Kiselnikowa odpowiedzią pochodzącą z głębi jego duszy i rozszerza uwagę słowem „KRZYKI”.

W piątym fenomenie drugiej sceny, kiedy Kisielnikow, będąc w niebezpieczeństwie, opowiada Pogulajewowi sen z pociechą i nadzieją na wzbogacenie się, A.N. Ostrowski dodaje:

„przez łzy”.

Te łzy ujawniają stan umysłu Kiselnikowa, jego rozpacz. Dramaturg edukuje czytelnika i widza na przykładzie swojego bohatera, uczy empatii.

W scenie, w której Kisielnikow otrzymuje łapówkę za sfałszowanie dokumentu, do słów Kisielnikowa:

"Panie! Co ja to robię!"

A.N. Ostrovsky dodaje uwagę „(płacz)”.

Na podstawie powyższego możemy stwierdzić: wszystkie nowe uwagi wprowadzone przez autora podczas redagowania pierwszej wersji rękopisu niosą ze sobą duży ładunek psychologiczny i emocjonalny w sztuce i pomagają czytelnikowi, widzom i aktorom lepiej zrozumieć bohaterów , zajrzyj w ich dusze i obudź sympatię dla głównego bohatera....

Wniosek.

W sztuce „Otchłań” A.N. Ostrovsky ujawnia czytelnikowi i widzom życie kupieckiej rodziny. Usuwając zwykły zewnętrzny połysk, autor pokazuje, że za zewnętrzną atrakcyjnością bogatych rodzin w ich życiu kryje się chamstwo, upokorzenie i oszustwo.

A.N. Ostrovsky potwierdził zasadę wiernego oddania rzeczywistości.

W sztuce „Otchłań” rysuje obraz typowego przedstawiciela rosyjskiej klasy kupieckiej - Borowcowa. Historia życia Borowcowa to historia życia chciwego i skąpego kupca, który zaczynał z wygórowanym bogactwem, a kończy w ubóstwie.

W sztuce A.N. Ostrovsky stawia wielką kwestię społeczną, kwestię życia w klasie kupieckiej. A. N. Ostrovsky mógł dogłębnie ujawnić i namalować obrazy życia kupieckiego tylko dzięki osobistej znajomości i obserwacjom życia tego społeczeństwa.

Wizerunek klasy kupieckiej pozostał głównym tematem jego twórczości. Jednak AN Ostrowski nie poprzestał na tym i namalował życie biurokracji („Nasi ludzie - będziemy policzone”, „Biedna panna młoda”, „Otchłań”), szlachty („Nie siadaj w saniach” ) i filistynizm („Nie żyj tak, jak chcesz”).

Jak słusznie zauważył AI Revyakin: „Wszechstronność zainteresowań tematycznych, rozwój najważniejszych aktualnych problemów swojej epoki sprawiły, że Ostrovsky stał się pisarzem narodowym o ogromnym znaczeniu społecznym”.

Wśród drobnej biurokracji A.N. Ostrowski zawsze wyróżniał uczciwych robotników, którzy byli zmuszeni do ciężkiej pracy. Dramaturg traktował ich z głęboką sympatią.

Doświadczając skrajnej deprywacji materialnej, czując swoją bezsilność, bohaterowie-robotnicy starali się słowem i czynem wnieść w życie dobro i prawdę. Nie podzielając intencji Kiselnikowa, by żyć z posagu Glafiry i odsetek od kapitału, uczeń ze sztuki „Otchłań” z przekonaniem deklaruje: „Ale moim zdaniem nie ma nic lepszego niż życie z własnej pracy”. (sc. 1, javl. 3).

W „Otchłani” A. N. Ostrovsky specjalnie wysuwa na pierwszy plan osobę niepozorną. Autorka jako główne negatywne cechy przedstawia bierność bohatera i nieumiejętność walki z otoczeniem i jego obyczajami.

W opinii Borowcowów i im podobnych, głównymi wadami Kiselnikowa są uczciwość i bieda.

Twórczość A.N. Ostrovsky'ego jest zgodna z twórczością F.M. Dostojewskiego, w ujawnieniu problemu moralnych poszukiwań jednostki. Bohaterowie Dostojewskiego, Swidrygajłow i Stawrogin, pogrążają się w pustce istnienia iw końcu popełniają samobójstwo. Poszukiwania prowadzą ich do problemu wewnętrznej „otchłani moralnej”. W „Trudnych dniach” jeden z bohaterów AN Ostrowskiego zauważa: „Słowem żyję w otchłani” i na pytanie: „Gdzie jest ta otchłań?” - odpowiedzi: „Wszędzie: wystarczy zejść. Graniczy z północnym oceanem na północy, wschodnim oceanem na wschodzie i tak dalej.”

Głębię tych słów dramaturg ujawnił w sztuce „Otchłań”. I z taką artystyczną siłą ujawnił, że powściągliwy Anton Pawłowicz Czechow pisał dla niego z nietypowym entuzjazmem: „Sztuka jest niesamowita. Ostatni akt to coś, czego nie napisałbym za milion. Ten akt to cały spektakl, a jak będę miał własny teatr, to wystawię tylko ten jeden akt.”2

Podobnie jak Żadow z „Lukratywnego miejsca” i innych ludzi, którzy opuścili „uniwersyteckie życie” z jego „konceptami”, „zaawansowanymi przekonaniami”, Kiselnikow zaczyna zdawać sobie sprawę, że „nie jest lepszy od innych”, gdy zgodzi się sfałszować dokument. Poczynając od oskarżenia łapówkarzy, Kisielnikow kończy się moralnym upadkiem, jak sam o sobie mówi: „Sprzedaliśmy wszystko: siebie, sumienie…”, a powodem tego jest ideał, że ludzie tacy jak Kisielnikow do jakich dążyli w młodości.

Ideałem były tylko głośne deklaracje, ale nie działania. Już przy pierwszej próbie życia Kisselnikowowie są gotowi służyć każdemu pomysłowi, o ile jest to korzystne.

„… dramaturg nie płonie nienawiścią”, zauważa AI Revyakin, „ale współczuje, żałuje, lekko smuci, widząc zrujnowane ludzkie życie, ponieważ „moc łaski” jest widziana dalej i więcej wybacza, ponieważ kocha głębiej”.

„Kiselnikow ginie w otchłani kupieckiego życia. Dla słabej osobowości taki koniec jest nieunikniony.

Podsumowując prace nad analizą rękopisu dramatu AN Ostrowskiego „Otchłań”, należy zauważyć, że materiał zawarty w szkicu rękopisu pozwolił w sposób kompleksowy prześledzić narodziny dramatu i wykończenie jego obrazów .

Wszystkie zauważone zmiany i uzupełnienia zostały dokonane przez A.N. Ostrovsky'ego, aby wzmocnić emocjonalny wpływ spektaklu, chęć wywołania współczucia u czytelnika i widza dla głównego bohatera - Kiselnikowa.

Fakt, że w trakcie swojej pracy twórczej AN Ostrovsky nie musiał dwukrotnie lub kilkakrotnie przepisywać projektu rękopisu, a wszystkie zmiany, uzupełnienia i uzupełnienia zostały przez niego dokonane w pierwszej wersji rękopisu, wskazuje na to, że autor znał materiał dobrze się prezentował, obrazy uważano, że trzeba je tylko artystycznie zaaranżować i przekazać czytelnikowi i widzowi. Klasyka nie sprzeciwia się nowoczesności, ale daje możliwość spojrzenia na siebie w perspektywie historycznej. Jak zauważył E. Kholodov: „bez poczucia przeszłości nie ma poczucia teraźniejszości - tego, kto jest obojętny na przeszłość, obojętny na przyszłość, bez względu na to, jak bardzo przysięga słowami lojalności wobec ideałów tego najjaśniejsza - najjaśniejsza przyszłość. Klasyka po prostu pielęgnuje w nas poczucie osobistego zaangażowania w historyczny ruch ludzkości od przeszłości do przyszłości.”

Spektakle nabierają nowoczesnego brzmienia w zależności od tego, jak bardzo teatr zdołał przekazać widzom coś, co dziś może poruszyć każdego. Należy zauważyć, że w jednej epoce zainteresowanie teatrów i widzów wzbudzają niektóre sztuki klasyczne, aw innych epokach inne sztuki klasyczne. Wynika to z faktu, że klasyka wchodzi w złożone ideowe i estetyczne wzajemne relacje z nowoczesnością. W naszych studiach teatralnych występuje następująca periodyzacja repertuaru A.N. Ostrowskiego:

1 okres- lata wojny domowej. Ostrovsky jest wystawiany i grany w staromodny sposób.

2 okres- 20s. Formalistyczny eksperyment na dramacie Ostrowskiego.

3 okres- koniec lat 20. i 1 połowa lat 30. Wpływ socjologii. W pracy Ostrovsky'ego podkreślane są tylko satyryczne kolory.

4 okres- lata II wojny światowej i pierwsze lata powojenne. W dramacie Ostrowskiego szukali zarówno ciemnych, jak i jasnych stron obrazu życia.

W 1923 r. kraj powszechnie obchodził setną rocznicę urodzin wielkiego rosyjskiego dramatopisarza. W tym samym roku przed fasadą Teatru Małego postawiono pomnik wielkiego rosyjskiego dramatopisarza. Również w tym roku ukazało się 10 tomów pierwszych sowieckich Dzieł Zebranych AN Ostrowskiego, ukończonych w 1923 roku. W ciągu roku jubileuszowego w Moskwie, Piotrogrodzie, Iwanowie-Wozniesieńsku, Władykaukazie ukazało się kilkanaście książek poświęconych życiu i twórczości dramaturga. I oczywiście wystawiano spektakle wielkiego dramaturga.

W latach 60. Ostrovsky ponownie zaczął przyciągać uwagę teatrów i krytyków. Spektakle wystawiano w tych latach nie tylko w Moskwie i Leningradzie, ale także w wielu innych miastach: w Kijowie, Gorkim i Pskowie – „Na każdym mądrym człowieku…”, w Nowosybirsku i Swierdłowsku – „Burza”, w Mińsku i Kałudze - "Ostatnia ofiara", W Kownie - "Opłacalne miejsce", w Wilnie - "Wesele Balzaminova", w Nowogrodzie - "Otchłań", w Tambow - "Winy bez winy". Należy zauważyć, że każda epoka wprowadzała własną nową wizję dramatu Ostrowskiego, dlatego na pierwszy plan wysunęły się właśnie te pytania, które interesowały współczesnego widza.

A.N. Ostrovsky ma kilka sztuk, w centrum których znajduje się obraz młodego mężczyzny wybierającego własną ścieżkę życia. Największą popularnością cieszą się sztuki „Dochodowe miejsce”, „Dość dla każdego mędrca” i „Otchłań”. W tych sztukach śledzone są trzy drogi młodego intelektualisty we współczesnym A.N. Ostrowskim. Tym, co łączy głównych bohaterów (Żadowa, Głumow i Kisielnikowa) jest to, że są to młodzi ludzie, czyli ludzie rozpoczynający życie, wybierający życiowe ścieżki.

„Ideały Żadowa z„ Lukratywnego miejsca ”nie są miażdżone przez jakiś„ okropny, drżący dramat duszy ”- są podważane dzień po dniu, dzień po dniu przez podłą prozę życia, niestrudzenie powtarzając nieodparcie wulgarne argumenty zdrowego rozsądku - dziś, tak jak wczoraj, jutro jest jak dzisiaj.”

Sztuka „Otchłań” przypomina współczesnemu widzowi dawny teatr, nawet nie z czasów Ostrowskiego, ale jeszcze bardziej odległej epoki. Przypomnijmy, że pierwsze sceny rozgrywają się, jak pisze autor, „około 30 lat temu”, a sama sztuka powstała w 1865 roku. Spektakl rozpoczyna publiczność opowiadająca o melodramacie Ducange'a „Trzydzieści lat później, czyli życie gracza” z udziałem samego Mochalova.

Chołodow zauważa, że ​​„przedstawienie melodramatu „Trzydzieści lat później, czyli życie gracza” jest niejako przeciwne przedstawieniu dramatu życia Kisielnikowa, który można by nazwać „Siedemnaście lat, czyli życie przegrany. " Istota Otchłani polega na tym, że opierając się na typowym dla melodramatu schemacie fabularnym, dramatopisarz z całą logiką swojej sztuki obala melodramatyczną koncepcję osobowości i społeczeństwa. A.N. Ostrovsky przeciwstawia życie teatrowi.

„Otchłań” to jedyny spektakl Ostrowskiego, który opiera się na biograficznej, „hagiograficznej” zasadzie – Kirilla Filippycha Kiselnikowa poznajemy wtedy, gdy ma 22 lata

poznajemy go w wieku 29 lat, 34 lata i wreszcie 39 lat. W przypadku Żadowa i Głumowa widz może się tylko domyślać, jak potoczy się ich życie, podczas gdy życie Kisielnikowa toczy się przed widzem od 17 lat. Kiselnikov starzeje się na naszych oczach - w wieku 39 lat jest już starcem.

W spektaklach „The Deeps” i „The Profitable Place” pojawia się ta sama metafora – wizerunek poganianego konia. Żadowa: „ Potrzeba, okoliczności, brak wykształcenia bliskich, otaczająca rozpusta mogą mnie popędzić jak jadą koniem pocztowym..."Kiselnikow:" Wiesz mamo, jeżdżą koniem pocztowym, brnie noga za nogą, zwiesza głowę, na nic nie patrzy, tylko po to, żeby go zaciągnąć na stację; tu jestem”. Okoliczności Żadowa wciąż „mogą go napędzać”, ale Kiselnikowa już wiodło („tu też jestem”). Kiselnikov, jak zauważa Kholodov, to Żadov, którym kieruje życie.

Rolę Kiselnikowa powierza się zwykle doświadczonym aktorom, którzy są bliżsi wiekiem ostatnich scen Kiselnikowa, dlatego w wykonaniu pierwszej sceny przez takich aktorów, gdy bohater ma zaledwie 22 lata, zawsze jest pewien odcinek.

„Kłopoty Kisielnikowa są w rejonie Kisielnikowa, zauważa Chołodow”, w jego umysłowej bezwładności, w bezczynnej dobroci, w bezkręgosłupowości, w braku woli. Kłopot czy usterka? To pytanie stawia na początku sztuki sam dramaturg. Po prezentacji melodramatu Ducange 30 lat, czyli życia gracza, publiczność wymienia opinie na temat tragicznych losów bohatera. Widzowi przedstawianych jest kilka punktów widzenia:

« Z kimkolwiek prowadzisz, więc sam będziesz»

« Każdy jest winien za siebie... Stańcie twardo, bo ty sam odpowiesz».

Jedna pozycja: " Dlaczego, szkoda”. Inna pozycja: „ Przepraszam za nic. Znaj krawędź, ale nie spadaj! Z tego powodu jest podany człowiekowi».

„Głębiny” to niesamowita sztuka, ponieważ dramaturg nie daje dokładnej odpowiedzi: czy główny bohater jest winny, czy nie. Teatr, za A.N. Ostrowskim, odpowiada, że ​​to kłopot bohatera, ale i wina.

Kiselnikow w przeciwieństwie do Żadowa popełnia zbrodnię, a my jesteśmy świadkami ostatecznego upadku bohatera.

Należy zauważyć, że dramat „Głębiny” przyciąga obecnie więcej widzów niż czytelników i badaczy. Śmiem założyć, że badacze nie są zbytnio zainteresowani studiowaniem jedynej wersji rękopisu ze wszystkimi poprawkami i uzupełnieniami. Pod względem artystycznym „The Deeps” jest słabszy niż np. dramat „Burza z piorunami”.

Otóż ​​czytelnika nie interesuje ten dramat, moim zdaniem, bo nie może znaleźć miłosnej intrygi, a temat „małego człowieczka” nie jest już interesujący, gdyż został obszernie ujawniony w twórczości NV Gogola, FM Dostojewski, A.P. Czechow.

Jednak sztuka „Otchłań” jest zawsze obecna w repertuarze Teatru Małego, który nosi imię wielkiego dramaturga.

Do 2002 roku sztukę wystawiał Jurij Solomin, a teraz jest już wystawiany w nowej produkcji - Korszunow.

Sztuka jest aktualna w naszych czasach, ponieważ stawia ostre psychologiczne pytanie - jak przetrwać na tym świecie, jeśli jesteś uczciwą osobą? Moim zdaniem każdy z czytelników powinien znaleźć dla siebie odpowiedź na pytanie postawione przez A.N. Ostrovsky'ego.

Fragmenty „Wspomnienia artysty NS Wasilkwy”. „Rocznik Teatrów Cesarskich”, 1909, nr 1, s.4.

Revyakin AI „Dramaturgia A. N. Ostrovskiego” (Do 150. rocznicy jego urodzin), M.: Wiedza, 1973, s. 36

Lakshin V.Ya. „Aleksander Nikołajewicz Ostrowski” – wyd. 2, ks. i dodatkowe - M.: Art, 1982, s. 63.

EG Kholodov „Dramatorzysta na wszystkie pory roku”; Ogólnorosyjskie Towarzystwo Teatralne, M., 1975, s. 260-261.

3 tamże str. 321

Tamże. 321 Ogólna charakterystyka A.N. Ostrowskiego. Ogólna charakterystyka A.N. Ostrowskiego.

Za lata 1847 - 1886 Aleksander Nikołajewicz Ostrowski (patrz jego notatka i biografie na naszej stronie internetowej) napisał o czterdziestu sztukach prozą i ośmiu kolejnych wierszem białym. Wszystkie mają inną wartość, ale w sumie stanowią bez wątpienia najbardziej niezwykły zbiór dzieł dramatycznych w języku rosyjskim. Gribojedow i Gogol napisali wielkie i całkowicie oryginalne sztuki, a ich geniusz przewyższył Ostrowskiego, ale to właśnie Ostrowski miał stworzyć rosyjską szkołę teatralną, rosyjski teatr godny bycia obok zachodnich teatrów narodowych, jeśli nie równy , a następnie jako porównywalne z nimi.

Portret Aleksandra Nikołajewicza Ostrowskiego. Artysta V. Pierow, 1871

Ograniczenia sztuki Ostrowskiego są oczywiste. Jego sztuki (z nielicznymi wyjątkami) nie są ani tragediami, ani komedią, ale należą do przeciętnego, bękartowego gatunku dramatu. Dramatycznemu planowi większości z nich, poświęconym metodzie „kawałków życia”, brakuje solidnej spójności sztuki klasycznej. Z nielicznymi wyjątkami w jego dramatach nie ma poezji, a nawet tam, gdzie jest ona obecna, jak w Burza z piorunami, to poezja atmosfery, a nie słów i faktury. Ostrovsky, choć znakomity mistrz typowego i zindywidualizowanego dialogu, nie jest mistrzem języka w takim sensie, w jakim byli Gogolem i Leskowem. W pewnym sensie nawet jego zakorzenienie na ziemi rosyjskiej jest ograniczone, bo jego sztuki są zawsze wąsko lokalne i nie mają uniwersalnego znaczenia. Gdyby nie to ograniczenie, gdyby był całkowicie ludzki, pozostając narodowym, jego miejsce znalazłoby się wśród największych dramaturgów.

Literatura rosyjska XIX wieku. Aleksander Nikołajewicz Ostrowski. Wykład wideo

Jednak rozpiętość, zakres i różnorodność jego wizji rosyjskiego życia są niemal nieograniczone. Jest najmniej subiektywny z rosyjskich pisarzy. Jego postacie w żaden sposób nie są emanacją autora. To są prawdziwe odzwierciedlenie „innych”. Nie jest psychologiem, a jego bohaterowie to nie Tołstojanie, w których wewnętrzny świat wprowadza nas potężna siła intuicji autorskiej – to po prostu ludzie, tak jak widzą ich inni. Ale ten powierzchowny realizm nie jest zewnętrznym, malarskim realizmem Gogola i Gonczarowa, jest to realizm prawdziwie dramatyczny, bo reprezentuje ludzi w ich relacjach z innymi ludźmi, co jest najprostszym i najstarszym sposobem charakteryzacji, przyjętym zarówno w narracji, jak i w dramacie. - poprzez mowę i działania; tylko tutaj jest ta metoda wzbogacona o ogromne bogactwo szczegółów społecznych i etnograficznych. I mimo tej powierzchowności postacie Ostrowskiego mają indywidualność i oryginalność.

Te ogólne uwagi odnoszą się głównie do najwcześniejszych i najbardziej charakterystycznych dzieł Ostrowskiego, napisanych przed ok. 1861 r. Fabuły tych sztuk czerpią z reguły z życia kupców moskiewskich i prowincjonalnych oraz niższych warstw biurokracji. Szeroki, wszechstronny obraz starotestamentowego, niezeuropeizowanego życia rosyjskich kupców uderzył przede wszystkim w twórczość współczesnych Ostrowskiemu, których interesowała rzeczywistość ucieleśniona w twórczości literackiej, a nie w jej przeobrażenia w sztuce. Krytycy lat pięćdziesiątych XIX wieku rzucili dużo atramentu, wyjaśniając stosunek Ostrowskiego do starotestamentowych rosyjskich kupców. On sam dostarczał obfitego pożywki dla takich dyskusji i wszelkiego rodzaju interpretacji, ponieważ jego artystyczne sympatie rozkładają się w różny sposób w różnych sztukach. Każda interpretacja, od najbardziej entuzjastycznej idealizacji niezachwianego konserwatyzmu i patriarchalnego despotyzmu, po wściekłe potępianie klasy kupieckiej jako niepoprawnego, mrocznego królestwa, mogła znaleźć oparcie w tekście jego sztuk. Prawdziwy stosunek Ostrowskiego do tego wszystkiego po prostu nie zawsze był taki sam, pozycja moralna i społeczna były dla niego zasadniczo drugorzędnymi okolicznościami. Jego zadaniem było budowanie spektakli z elementów rzeczywistości tak, jak ją widział. Pytania o sympatię i antypatię były dla niego kwestią czystej techniki, dramatycznej dogodności, bo choć był „antyartystą” i realistą, bardzo żywo odczuwał te wewnętrzne prawa, według których, a nie według praw życie, musiał budować każdą nową sztukę. Tak więc dla Ostrowskiego ocena moralna kupieckiego ojca rodu, tyranizującego swoich bliskich, zależała od jego roli dramatycznej w tym spektaklu. Ale poza tym niezwykle trudno jest sformułować wyobrażenie o społecznym i politycznym światopoglądzie Ostrowskiego. Był to najbardziej obiektywny i bezstronny pisarz, a interpretacja jego sztuk przez jego przyjaciela i propagandystę Apolla Grigoriewa – „nieokiełznana radość przed organicznymi siłami nieskalanego życia narodowego” – jest tak samo obca prawdziwemu Ostrowskiemu, jak antytradycyjne i propaganda rewolucyjna, która została z nich wyciśnięta Dobrolyubov.

Technicznie najbardziej interesujące sztuki Ostrovsky'ego to dwie pierwsze: Bankrut(napisany w latach 1847-1849 i opublikowany pod tytułem Nasi ludzie - ponumerowani w 1850) i Biedna panna młoda(opublikowane w 1852 i dostarczone w 1853). Pierwszy był najbardziej uderzającym i sensacyjnym początkiem działalności młodego autora, jaki kiedykolwiek pojawił się w literaturze rosyjskiej. Gogol w Związek małżeński podał przykład typowego obrazu środowiska kupieckiego. W szczególności, typ swata praktykującego w środowisku kupieckim był już szeroko stosowany. Przedstawiając tylko nieprzyjemne postacie, Ostrovsky poszedł w ślady Gogola in Do audytora... Ale poszedł jeszcze dalej i odrzucił najczcigodniejszą i najstarszą tradycję komediową - poetycką sprawiedliwość, która karze występek. Triumf występku, triumf najbardziej bezwstydnych postaci w sztuce, nadaje mu szczególną nutę śmiałej oryginalności. To właśnie lubią rozgniewani nawet starzy realiści Szczepkin, który uznał sztukę Ostrowskiego za cyniczną i brudną. Realizm Ostrovsky'ego, pomimo oczywistego wpływu Gogola, jest zasadniczo jego przeciwieństwem. Jest obcy wyrazistości ze względu na wyrazistość; nie popada w karykaturę ani farsę; opiera się na gruntownej, głębokiej znajomości opisywanego życia z pierwszej ręki. Dialog dąży do prawdy w życiu, a nie do słownego bogactwa. Umiejętność dyskretnego posługiwania się mową realistyczną, bez popadania w groteskę, jest istotną cechą sztuki rosyjskich realistów, ale u Ostrowskiego osiągnęła doskonałość. Wreszcie nieteatralna konstrukcja sztuk wcale nie należy do Gogola i świadomie rezygnując z wszelkich sztuczek i kalkulacji na rzecz efektu scenicznego, Ostrovsky od samego początku wspina się na szczyt. Najważniejszą rzeczą w sztuce są postacie, a intryga jest całkowicie zdeterminowana przez nich. Ale postacie są brane w aspekcie społecznym. To nie są w ogóle mężczyźni i kobiety, to moskiewscy kupcy i urzędnicy, których nie da się oderwać od otoczenia społecznego.

V Bankrut Ostrovsky niemal w pełni pokazał oryginalność swojej techniki. W swojej drugiej sztuce poszedł dalej w kierunku deteatralizacji teatru. Biedna panna młoda zarówno tonem, jak i atmosferą wcale nie jest podobny do Bankrut... Tutaj środa nie jest kupcem, ale drobnym biurokratą. Nieprzyjemne uczucie, które wywołuje, ratuje wizerunek bohaterki, silnej dziewczyny, która wcale nie jest niższa i znacznie bardziej żywa niż bohaterki Turgieniewa. Jej historia ma charakterystyczne zakończenie: po odejściu idealnego romantycznego wielbiciela porzuca ją los i poślubia szczęśliwego chama Benevolensky'ego, który jako jedyny może uratować matkę przed nieuchronną ruiną. Każda postać to arcydzieło, a zdolność Ostrovsky'ego do budowania akcji wyłącznie na postaciach jest tutaj najlepsza. Ale szczególnie godny uwagi jest ostatni akt - odważna nowość techniczna. Spektakl kończy się potężną sceną: tłum dyskutuje o małżeństwie Benevolensky'ego, a tu pojawia się zaskakująco nowa nuta z pojawieniem się w tłumie jego byłej kochanki. Powściągliwość i wewnętrzna treść tych ostatnich scen, w których główni bohaterowie prawie się nie pojawiają, były naprawdę nowym słowem w sztuce dramatycznej. Siła Ostrowskiego w tworzeniu poetyckiej atmosfery ujawniła się po raz pierwszy w akcie piątym. Biedna panna młoda.

Ostrovsky nigdy się nie zatrzymywał i zawsze szukał nowych sposobów i metod. W jego ostatnich sztukach ( Posag, 1880), spróbował bardziej psychologicznej metody tworzenia postaci. Ale generalnie jego ostatnie sztuki świadczą o pewnym wysychaniu sił twórczych. Do śmierci zdominował scenę rosyjską samą ilością swoich dzieł. Ale spadkobiercami, których po sobie pozostawił, byli ludzie przeciętni i nietwórczy, potrafiący jedynie pisać sztuki z „wdzięcznymi rolami” dla znakomitych aktorów i aktorek wychowanych w szkole Szczepkina i Ostrowskiego, ale nie potrafiący kontynuować żywej tradycji dramatu literackiego.

"Otworzył świat dla człowieka nowej formacji: kupca staroobrzędowego i kupca kapitalistycznego, kupca w kurtce wojskowej i kupca w trójce, podróżującego za granicę i prowadzącego własny interes. Ostrowski otworzył szeroko drzwi dla świat, dotąd zamknięty za wysokimi płotami przed wzrokiem ciekawskich ”(V.G. Marantzman)

Cechy stylu Ostrowskiego 1. Wypowiadanie nazwisk. W spektaklu „Burza z piorunami” nie ma przypadkowych imion i nazwisk. Tichon Kabanow jest pijakiem o słabej woli i synem mamy. Żyje zgodnie ze swoim imieniem.

W sztuce „Winy bez winy”. Widząc imię Neznamov, czytelnik od razu rozumie, że mówimy o osobie, która nie zna swojej przeszłości.

Cechy stylu Ostrowskiego. 2. Konkretne uwagi autora. Dramaty Ostrowskiego również były przeznaczone do czytania, więc jego uwagi, choć składają się z dość krótkich wstawek, mają duży potencjał wewnętrzny. Na przykład wskazówki w Burzy z piorunami opisują krajobraz, otoczenie, postacie i ich zachowanie.

Cechy stylu Ostrowskiego 3. Oryginalność nazw (często przysłowia). 1. Nasz lud jest policzony 2. Serce nie jest kamieniem 3. Nie żyj tak, jak chcesz 4. Prawda, dobrze, ale szczęście jest lepsze

Ta cecha Ostrowskiego została zauważona przez krytyków nawet wtedy, gdy pojawiły się jego pierwsze sztuki. „…Umiejętność oddania rzeczywistości takiej, jaka jest –„ matematyczna wierność rzeczywistości”, brak przesady… To wszystko nie jest znakiem rozpoznawczym poezji Gogola; wszystko to są charakterystyczne cechy nowej komedii ”- napisał B. Almazov w artykule„ Sen z okazji komedii ”. Już w naszych czasach krytyk literacki A. Skaftmow w swojej pracy „Beliński i dramat AN Ostrowskiego” zauważył, że „najbardziej uderzającą różnicą między dramatami Gogola i Ostrowskiego jest to, że Gogol nie ma ofiary występku, a Ostrowski zawsze ma wadę cierpiącą ofiarę ... Przedstawiając występek, Ostrovsky chroni coś przed nim, chroni kogoś ... W ten sposób zmienia się cała treść sztuki. Spektakl zabarwiony cierpiącym liryzmem, wkracza w rozwój uczuć świeżych, czystych moralnie lub poetyckich; wysiłki autora skierowane są na ostre przedstawienie wewnętrznej praworządności, prawdy i poezji prawdziwego człowieczeństwa, uciskanego i wypędzanego w atmosferze panującego interesu własnego i oszustwa.” Podejście Ostrovsky'ego do przedstawiania rzeczywistości, odmienne od podejścia Gogola, tłumaczy się oczywiście oryginalnością jego talentu, „naturalnymi” właściwościami artysty, ale (to też nie należy przeoczyć) czasem, który minął. zmienione: większa uwaga na jednostkę, na jej prawa, uznanie jej wartości.

Wł. I. Niemirowicz-Danczenko w swojej książce „Narodziny teatru” sprytnie wskazuje na to, co sprawia, że ​​sztuki Ostrowskiego są szczególnie sceniczne: „atmosfera życzliwości”, „wyraźna, stanowcza sympatia ze strony urażonych, do której sala teatralna jest zawsze niezwykle wrażliwy."

„Och, nie płacz; nie są warte twoich łez. Jesteś białym gołębiem w czarnym stadzie gawron, więc dziobią cię. Twoja biel, twoja czystość jest dla nich obraźliwa ”- mówi Sasha Negina w Narokov's Talents and Admirers.

1. Krótka nota biograficzna.
2. Najsłynniejsze sztuki Ostrowskiego; postacie i konflikty.
3. Wartość pracy Ostrowskiego.

Przyszły dramaturg A. N. Ostrovsky urodził się w 1823 roku. Jego ojciec służył w sądzie miejskim. W wieku ośmiu lat Ostrowski stracił matkę. Ojciec ożenił się po raz drugi. Pozostawiony sam sobie, chłopiec został porwany przez czytanie. Po ukończeniu gimnazjum A. N. Ostrovsky przez kilka lat studiował na Wydziale Prawa Uniwersytetu Moskiewskiego, a następnie służył w sądownictwie. Należy zauważyć, że zdobyte doświadczenie zawodowe odegrało dużą rolę w późniejszej twórczości literackiej Ostrowskiego. Głęboka znajomość życia ludowego, którą odnajdujemy w sztukach Ostrowskiego, wiąże się z wrażeniami z dzieciństwa; Podobno dramaturg wiele zawdzięcza swojej niezamężnej żonie Agafii Iwanownie, z którą zaprzyjaźnił się w połowie lat pięćdziesiątych, za poszerzenie poglądów na temat życia Moskali. Po jej śmierci Ostrowski ożenił się ponownie (1869).

Ostrowski za życia osiągnął nie tylko sławę, ale także bogactwo materialne. W 1884 został kierownikiem sekcji repertuarowej teatrów moskiewskich. A. N. Ostrovsky zmarł w 1886 r. w swoim majątku Szczelikowo. Jednak zainteresowanie twórczością Ostrowskiego nie osłabło po jego śmierci. I do dziś wiele jego sztuk jest z powodzeniem wystawianych na scenach rosyjskich teatrów.

Jaki jest sekret popularności sztuk Ostrowskiego? Zapewne przez to, że postacie jego bohaterów, mimo posmaku pewnej epoki, cały czas pozostają nowoczesne w swej istocie, w swej głębokiej istocie. Spójrzmy na kilka przykładów.

Jedną z pierwszych sztuk, które przyniosły Ostrowskiemu szeroką sławę, jest sztuka „Nasi ludzie – będziemy ponumerowani”, która pierwotnie nosiła nazwę „Bankrut”. Jak już wspomniano, Ostrowski służył kiedyś w sądzie. Fabuła „Bankruta” została opracowana na podstawie rzeczywistych przypadków z praktyki sądowej: oszustwa kupca Bolszowa, który ogłosił się niewypłacalnym, aby nie spłacać długów, oraz wzajemnego oszustwa jego zięcia i córki, który odmówił wykupienia „tyatenki” z dziury zadłużenia. Ostrovsky w tej sztuce wyraźnie pokazuje patriarchalny styl życia i obyczaje moskiewskich kupców: „Mama ma siedem piątków w tygodniu; Tatienka, jak nie pijana, taka cicha, ale jak pijana, więc bije, więc patrz.” Dramaturg odkrywa głęboką wiedzę z zakresu psychologii człowieka: portrety tyrana Bolszowa, łobuza Podkhalyuzin, Lipoczki, wyobrażającej sobie siebie „wykształconą młodą damę i inne postacie, są bardzo realistyczne i przekonujące.

Należy zauważyć, że Ostrovsky poruszył temat w sztuce „Nasz naród – policzmy się”, który stał się przekrojowy dla całej jego twórczości: jest to temat zniszczenia tradycyjnego porządku patriarchalnego, zmiany w istota relacji międzyludzkich, zmiana priorytetów wartości. Zainteresowanie życiem ludowym przejawiało się także w wielu sztukach Ostrowskiego: „Nie wsiadaj na sanie”, „Ubóstwo nie jest występkiem”, „Nie żyj tak, jak chcesz”.

Należy zauważyć, że nie wszystkie sztuki Ostrowskiego mają możliwe do przyjęcia, realistyczne zakończenie. Szczęśliwe rozwiązanie konfliktu wygląda czasem na celowe, nie do końca odpowiadające charakterom bohaterów, jak na przykład w sztukach Bieda to nie imadło, masowe jabłka. Takie utopijne „szczęśliwe zakończenia” nie umniejszają jednak wysokiego poziomu artystycznego sztuk Ostrowskiego. Jednak jednym z najsłynniejszych dzieł Ostrowskiego był dramat „Burza z piorunami”, który można nazwać tragedią. W rzeczywistości jest to dramat głęboko tragiczny nie tylko ze względu na śmierć głównego bohatera w finale, ale także z powodu nierozwiązalności konfliktu pokazanego przez Ostrowskiego w Burzy z piorunami. Można nawet powiedzieć, że w „Grzmie” nie jest jeden, ale dwa konflikty: antagonizm Kateriny i jej teściowej Marfy Ignatievny (Kabanikha), a także wewnętrzny konflikt Kateriny. Zwykle krytycy literaccy, za N. A. Dobrolyubovem, nazywają Katerinę „promieniem światła w ciemnym królestwie”, kontrastując ją z Kabanikhą i innymi postaciami w sztuce. Nie ma wątpliwości, że w postaci Kateriny są wartościowe cechy. Jednak te cechy stają się przyczyną wewnętrznego konfliktu bohaterki Ostrowskiego. Katerina nie jest w stanie bez narzekania pogodzić się ze swoim losem, cierpliwie czekając na czas, kiedy będzie mogła zostać drugą Kabanikhą i dać upust swojemu charakterowi, ani cieszyć się potajemnymi spotkaniami z ukochaną, zewnętrznie pokazując przykład posłuszeństwa mężowi i teściowa. Główna bohaterka „Stormu” poddaje się swojemu uczuciu; jednak w swoim sercu uważa to za grzech i cierpi z powodu wyrzutów sumienia. Katerinie brakuje siły, by oprzeć się krokowi, który sama uważa za grzeszny, ale jej dobrowolne przyznanie się do wykroczenia w oczach teściowej nie zmniejsza jej winy w najmniejszym stopniu.

Ale czy postacie Kateriny i jej teściowej są tak różne? Kabanikha jest oczywiście typem kompletnego tyrana, który pomimo ostentacyjnej pobożności uznaje tylko własną wolę. Można jednak powiedzieć o Katerinie, że w swoich działaniach nie bierze pod uwagę niczego - ani przyzwoitości, ani roztropności, ani nawet praw religijnych. „Ech, Varya, nie znasz mojej postaci! Oczywiście, nie daj Boże, aby tak się stało! A jak się tu zdegustuję, nie powstrzymają mnie żadną siłą – wyznaje szczerze siostrze męża. Główna różnica między Kateriną polega na tym, że nie chce ukrywać swoich działań. „Jesteś trochę podstępny, niech cię Bóg błogosławi! Ale moim zdaniem: rób, co chcesz, o ile jest zszyty i zakryty ”- mówi Varvara. Ale jest mało prawdopodobne, że sama dziewczyna to wymyśliła. Oczywiście złapała tę światową „mądrość” w obłudnym środowisku domu swojej matki. Temat upadku tradycyjnego stylu życia w „Burzy z piorunami” brzmi szczególnie przejmujący – zarówno w złowieszczych przeczuciach Kateriny, jak iw ponurych westchnieniach Kabanikhy poświęconych odchodzącej „starożytności”, a także w straszliwych przepowiedniach szalonej damy i w mrocznych opowieściach wędrowca Feklushy o zbliżającym się końcu świata. Samobójstwo Kateriny to także przejaw upadku patriarchalnych wartości, które zdradziła.

Temat upadku wartości „starożytności” w wielu sztukach Ostrowskiego przełamuje się w temat karierowiczostwa i chciwości. Bohater sztuki „Dość dla każdego mędrca”, przebiegły cynik Głumow, jest nawet na swój sposób czarujący. Ponadto nie można nie rozpoznać jego inteligencji i pomysłowości, co oczywiście pomoże mu wydostać się z nieprzyjemnej sytuacji, która powstała w wyniku ujawnienia jego machinacji. Obrazy wyrachowanych biznesmenów niejednokrotnie można znaleźć w sztukach Ostrowskiego. To Wasilkow z Szalony Pieniądze i Berkutow z Wilków i Owcy.

W spektaklu „Las” ponownie pojawia się temat upadku, ale nie patriarchalnego kupieckiego stylu życia, ale stopniowego niszczenia podstaw życia szlachty. Widzimy szlachcica Gurmyżskiego w przebraniu prowincjonalnego tragika Neschastlivtseva, a jego ciotka, zamiast zatroszczyć się o los swojego siostrzeńca i siostrzenicy, bezmyślnie wydaje pieniądze na temat jej późnego zainteresowania miłosnego.

Należy zauważyć sztuki Ostrowskiego, które słusznie można nazwać dramatami psychologicznymi, na przykład „Posag”, „Talenty i wielbiciele”, „Winy bez winy”. Bohaterami tych prac są osobowości niejednoznaczne, wieloaspektowe. Na przykład Paratow z „Posagu” to genialny dżentelmen, świecki mężczyzna, który z łatwością potrafi odwrócić głowę romantycznej młodej damie, „ideał mężczyzny” w oczach Larisy Ogudalovej, ale jednocześnie jest wyrachowany biznesmen i cynik, dla którego nie ma nic świętego: ja, Mokiy Parmenych, nie ma nic cennego; Znajdę zysk, więc sprzedam wszystko, cokolwiek.” Karandyshev, narzeczony Larisy, to nie tylko drobny urzędnik, „mały człowiek”, „słomka”, za którą Larisa próbowała się złapać w rozpaczy, ale także osoba z boleśnie zranioną dumą. A o samej Larisie można powiedzieć, że jest delikatną, uzdolnioną naturą, ale nie umie trzeźwo oceniać ludzi i spokojnie, pragmatycznie ich traktować.

Na koniec należy zauważyć, że Ostrowski mocno wkroczył w literaturę i sztuki sceniczne jako pisarz, który zapoczątkował tradycje realistyczne w teatrze rosyjskim, mistrz dziewiętnastowiecznej prozy codziennej i psychologicznej. Spektakle „Columbus Zamoskvorechye”, jak nazywali Ostrowski, od dawna są klasykami rosyjskiej literatury i teatru.